The Disaster Artist.

En 2013 Greg Sestero escribió (y le publicaron) un libro autobiográfico en el que rememora sus vivencias entorno a su amistad con Tommy Wiseau y la gestación y perpretación de The Room. Y si por algo The Room ha asaltado el mainstream a finales de 2017 y yo estoy escribiendo esto es por culpa de James Franco.

Greg Sestero Bateman. El tercer hemano Bateman en discordia.

Oirás, o igual no, decir de The Room que es El Ciudadano Kane de las películas malas. Que es indiscutiblemente la peor película de la historia y cosas asi. Entiendo que esto lo dice gente que no ha visto películas de Godfrey Ho. En fin, no puedo decir que The Room no sea mala pero tampoco puedo afirmar que sí lo sea en el modo en que por ejemplo considero que The Disaster Artist sea mala. Creo firmemente que The Room no es mala per se y se trata de una experiencia visual mucho más intensa y conmovedora de lo pretendidamente que es Dunkirk, aunque es cierto que desafía lo que consideraríamos la calidad standard de una película que emplea y usa los mecanismos del lenguaje narrativo al uso.

Si no has visto The Room, lo único que se me ocurre decirte es que es una película salvaje, primitiva, ingenua, pura en el sentido de que es básicamente una verdad total; es como contemplar y asimilar la realidad tangible y absoluta que implica que un triangulo tiene 3 lados de cualquier forma en la que dibujes un triángulo. ¿Cómo le explicas a alguien ciego qué es el color rojo? El lenguaje tiene unas limitaciones implícitas que apresan y constriñen la capacidad de generar ideas y desarrollar conceptos, en cambio, las emociones simplemente se sienten. The Room es una película en la cuál su director, guionista, productor y protagonista, pone en escena una serie de situaciones sin pies ni cabeza y vivencias que desarrolla sin atisbo de cualquier lógica que puedas aplicar y son imposibles de conectarse unas con otras pese a compartir cierta intención de unidad y cohesión.

Lo que hace interesante The Room, más allá del whatdafuckismo, la risa fácil y la sorna hooligan-garrula automática,  es que desvela cómo alguien incapaz de expresarse emocionalmente haría una película. Si le dieras poder total a un austista que nunca ha visto una película para hacer una película, The Room sería lo más cerca que estaríamos de ello. Es el grito enfurecido de un borderline que en el fondo lo que te está diciendo es: Te quiero; aunque lo exprese con patadas al aire pretendidamente gráciles mientras pierde el equilibrio y cae al suelo. Abre un agujerito en la cabeza de alguien que no entiende ni asimila la realidad como una persona normal y te deja mirar dentro. Es el viaje de Bowman hacia el Niño de las Estrellas y una vez que has experimentado esto, no hay vuelta atrás, has sido cegado por el brillo de una supernova. Digamos que The Room es una película cgi que está a punto de cruzar el valle inquietante pero no lo hace y se queda a un paso y genera una sensación de rechazo aunque de reconocimiento y fascinación instantáneas. Es casi tan real que puedes tocarla, aunque sus artefactos y engranajes son tan bizarros que asemejan ilusorios.

The Room podría ser una vehiculación fílmica sincera y transparente del modo en que alguien que es incapaz de conectar con las emociones tal y como se supone que lo hacen las personas neurotípicas desarrolla una película. Aunque hay que subrayar que pese a todo esto, las inteciones de Wiseau siempre fueron hacer algo a caballo entre una película memorable como “Al Este del Edén” o “Rebelde sin causa” y con unos referentes más cerca de Kubrick o Elia Kazan que de un Jess Franco o Brian Yuzna ávido de cobrar cheques. La diferencia está en que mientras estos antes mencionados sabían perfectamente lo que hacían y eran conscientes de ello y sus limitaciones, Wiseau está conectado unicamente con su propia realidad, Tommy Planet.

Dicho esto, vamos a meternos en The Disaster Artist (based on a true story), dirigida, producida y protagonizada por James Franco y basada sin mucha fortuna en “The Disaster Artist: My Life Inside The Room, the Greatest Bad Movie Ever Made” de Greg Sestero. ¿Por qué digo sin mucha fortuna? Porque la película de Franco, hecha por profesionales, por gente con una trayectoria dilatada, falla desde el primer minuto en presentar a sus personajes y establecer sus relaciones. Es tan torpe y burda, que su distancia con The Room no es tanta como parece.

La secuencia de inicio, pasado los bustos parlantes de gente guay del establishment contando sus mierdas sobre The Room, plantea el momento en que Sestero se acerca a Wiseau para ensayar una escena juntos.

¿Cómo describe Sestero su interés por acercarse a Wiseau?

Sestero, para ponernos en antecedentes, es un joven modelo afincado en San Francisco que ha hecho campañas para grandes firmas como Ralph Lauren o Armani y le ha entrado el gusanillo por ser actor. Como no tiene ni puta idea de actuar, se apunta a unas clases de interpretación con Jean Shelton donde coincide con Wiseau. La Jean Shelton esta debe ser una Assumpta Serna de la vida importante, y debe manejar un palo con el que da hostiazas para acariciar y machota con pinchos para pegar, o sea que da un miedo que te cagas. La imagen que Sestero describe de Wiseau es una especie de pirata cavernícola con pantalones cargo con los bolsillos llenos que lidera una revolución hacia la nada. En una de esas, estando en clase, que Wiseau sube al escenario para presentar una escena de A Streetcar named desire y comienza a actuar como si fuera un loco chillando Steeeeellaaaaa más veces de las que está escrito en la obra mientras muchos de sus compañeros se parten el ojete a mandíbula abierta; al terminar la escena la profesora le interpela diciendo-  Pero pedazo de subnormal ¿qué cojones has querido hacer? ¿Eres tonto o qué te pasa? – A lo que Wiseau le dice algo como – Lo he hecho emocional. Le he dado emoción – o algo así de modo que la confronta directamente mientras sus compañeros se mean en los pantalones del miedo, que no respeto, le profesan a la Shelton. La otra le replica alguna mierda y Wiseau sigue erre que erre. Esta confrontación denota una muestra de valor, arrojo, autodeterminación y confianza, que por carecer Sestero de ellas, llama poderosamente su atención y decide en este momento que al terminar la clase le va a pedir pasar una escena juntos. Sestero siente que debe aprender del Pirata a ponerse un par de webos entre las piernas y salir a la plaza de la vida a por todas. A partir de ahí, comienza un viaje hacia una amistad improbable pero no imposible.

¿Cómo presenta James Franco a Sestero y su interés por acercarse a Wiseau?

Sestero está en el escenario pasando una escena con su compañero. Lo hace fatal. La escena termina y Melania Griffith le dice: Sestero, eres inseguro no tienes valor tu problema es…

Luego sale James Wiseau. La cámara le sigue de espaldas sin mostrar su rostro como para querer darle un aire de misterio. El vestuario es acurado respecto a lo que describe el libro. James Wiseau hace el caricato máximo. Coge una silla, se sienta en ella. Zarandea la silla, la arroja. Trepa por una tramoya cual Donkey Kong se deja caer y moribundo en el suelo, clama una y otra vez: Steeeeellaaaaaa. Se levanta y se va de el escenario a lo Drop The Mic y pum. Corta a: Aparcamiento saliendo de clase, Sestero le pide hacer una escena juntos sin que entendamos demasiado bien el motivo.  James Wiseau hace el creepy un rato y la siguiente escena se pasa por casa de Sestero para recogerle en plan friko total.

No entendemos el motivo porque el modo de presentar a Wiseau lo deja como un tarado, alguien del que no hay cosa alguna que aprender, salvo que Sestero dice literalmente que le admira.

Estos pequeños detalles, que son tan fáciles de hacer, me perturban mucho cuando se realizan deliberadamente mal.

Pasado bastante el segundo tercio de metraje, la película desarrolla una escena parecida a la escena de presentación del libro pero sin venir a cuento y sin ningún tipo de necesidad en ese momento, solo para marcar que Wiseau está en las antípodas. Para ello se vale de la figura de otro profesor de teatro quien le espeta a James Wiseau que tiene más pinta de villano al uso que de héroe; y que encajaría mejor interpretando a un Drácula o Frankenstein pues tiene pinta de esto y apostilla para rematar que NUNCA JAMÁS LLEGARÁ A SER UN ACTOR DE VERDAD mientras los compañeros de clase se vuelven a reir de él y es entonces cuando James Wiseau hace un alegato propersonaje pero no desde el personaje sino desde el autor: “Vosotros os reís de mi, vosotros sois los villanos, no yo, yo yo soy el héroe”. A estas alturas de la cinta, ya se vislumbra que Wiseau es un outsider. Pero es un outsider porque James Franco dice que es un outsider no porque necesariamente lo parezca o el personaje se desarrolle como uno. Su aproximación respetuosa al personaje es a través de la pena y lástima, desde un punto de vista de superioridad típica de alguien que se cree por encima y mira a este Wiseau con cierta condescendencia. Para esto nada mejor que mirarse las entrevistas que está dando James Franco durante la promoción de la película. Una de las cosas que hace que Wiseau sea un outsider si no conoces al personaje, así de un primer vistazo, no es solo por cómo viste sino cómo confronta al mundo que le rodea. Es un conflicto contaste consigo mismo y con lo que le queda próximo.

Esta divergencia y el modo en que cuenta este hecho, hace que entiendas que Franco no es capaz de compelir los mecanismos de la relación entre estas dos personas, o que si los entiende, deliberadamente los ignora para sabotearlos. Digamos que la progresión entre Wiseau y Sestero es importante para llegar al rodaje de The Room. El caso es que Franco ante su incapacidad de narrar esta historia, descrita con perfección en el libro, opta por la típica vía burda de expresar a sus personajes no por sus acciones sino por sus palabras como en cualquier mierda de película que no hace uso o da muestras de ningún otro aprovechamiento de los recursos que permite el lenguaje cinematográfico.

Uno de estos 3, es un poser, hipster y wannabe. Los otros dos conducían carracos con tubarro y nacieron para ser unos underdog first blood de aupa.

Quizás conectas o no con la película o te interesa o no o lo que sea. Desde luego está tan lejos de la maravillosa Ed Wood de Tim Burton que da un poco de rabia cómo dicen que juega en esa categoría. Volvemos a lo mismo, el sistema de referentes para mucha gente está tan descalibrado que queda fuera de rango. James Franco no hace otra cosa que contar las chanzas del marginado del tuto desde la perspectiva del capitán del equipo de fútbol, posicionándose no en el retrato pero sí en la caricatura descafeinada, sin llegar a comprender que el verdadero drama no reside en ser un marginado sino en no creérselo uno y chocar una y mil veces contra una realidad preestablecida para lograr una serie de objetivos vitales muy marcados y definidos. Se podría decir que Wiseau no tiene una trama aspiracional, pues él ya se cree el puto amo, desde la inconsciencia obviamente, y así lo demuestran sus obras y milagros, en todo caso la historia de Wiseau es la del Impossible is Nothing. Un claim que se entregó mal escrito, y que alguien aprobó para hacerse uno de los más famosos de la historia.

 

You can laugh, you can cry, you can express yourself, but please don’t hurt each other.

Para ver la mierda de The Disaster Artist, mejor mírate The Room o si no has visto Ed Wood, mírate Ed Wood. Me da mucha pereza toda esta mierda de James Franco. Franco va de artista total, que pinta, que escribe, que lleva gafitas como de leer queriendo ser una especie  Da Vinci Millenial y tal mientras que Wiseau es una mezcla entre la ingenuidad esperpéntica de Michael Jackson y la ambición paranoide de Howard Hughes o algo así. Si lo miras de cerca, no se alejan tanto como parece, solo que con James Franco se disimula un poco mejor.

Quiero esta chaqueta de The Neighbors.

 

PS: Cuando te rías de Wiseau piensa en ti. En tus logros, en tus metas. En lo que has conseguido. En lo que no. En lo que has querido agarrar con los dedos de las manos y por lo débil de mierda que eres se te ha escapado y no has podido hacer nada para retenerlo, porque mientras la gente se mofa de The Room, Wiseau, por alguna extraña deferencia khármica se está forrando con ello.

Open Windows

Antes que nada, me gustaría que hiciéramos un pequeño ejercicio de suspensión de la incredulidad. Imaginemos por un instante que esta película no es de Nacho Vigalondo. Que no sabemos quién es este pibe; que ni le odiamos, ni le amamos, que no estamos polarizados respecto a su persona, y respecto a su obra.

—SUSPENSION OF DISBELIEF MODE ON—

Cartelazo de UserT38

Bien, ahora pasemos a hablar de Open Windows.

Sin rodeos: Open Windows es una película regulera o mala, según se mire. Ni me compliquéis la vida, ni os la compliquéis: NO, NO, Y NO ES UNA OBRA MAESTRA. Es un technocyberthriller con giros de guión cutres, e ideas simples, tomadas de aquí, de allá, de un poco más lejos y de un poco más cerca, cuya particularidad, reside en cómo ha sido editada. Chapeau por el editor, lástima el guión.

Open Windows, viene a ser un ejercicio de estilo que no termina contando mucho más que cualquier trhiller chorra que se os ocurra y cuyos guionistas apenas se hayan documentado leyendo Alt1040 u ojeando una wired. Si ves Open Windows, a ti hijo del internet, lector de blogs, y poseedor de un sentido del humor escacharrante vertido en tu cuenta del twitter, muchas cosas te sonarán y te sentirás reconocido en ellas, por ende, te resultarán atractivas. Cuando veas algunas escenas, dirás hostia, están como en un panel de la Comic Con, hostias, salen unos pavos en plan como los Anonymus, hostia la Sasha Grey vestida, el Frodo haciendo del papanatas de Grand Piano, el notas to psycho de Utopia que mata niños, el Carlos Areces, El Pueblo de Los Malditos, el Time Bullet pero en cutre a lo sonar de El Caballero Oscuro en plan los créditos del Off de Physalia… Vamos que, probablemente, os divertiréis.

También es probable, que leáis estos días mucho la palabra Hitchcock. A unos, lo de Hitchcock os sonará de oídas, a algo de pelis en blanco y negro de esas taco lentas, otros pensaréis que es la peli esa del Will Smith haciendo de súper-vagabundo, y a otros muchos, espero, o resultará una palabra reconocible por ser el apellido de un director sin ínfulas ni pretensiones pero con una concepción muy clara y consciente de cuáles eran las herramientas y mecanismos para manipular al espectador. Que es un poco lo que le pasa a Vigalondo, o esa sensación da, que controla la movida, que sabe cuándo debe acercar la cámara, cuándo alejarla, cómo usar el fuera de campo, etc, etc, pero con pretensiones e ínfulas. El tío tiene ideas de puta madre e igual de retorcidas que algunas que tenía Hitchcock… como por ejemplo, que Sasha Grey interprete a una tía a la que coaccionan para que enseñe las tetas… A SASHA GOD FRAKKING CHRIST GREY a la que golpe a de click, puedes verle el corazón a través de la garganta…  Pero de ahí, a decir que es como Hitchcock… es MIERDA. Así de grande la MIERDA. Colosal MIERDA. No os dejéis engañar. No así, por favor. Id a ver la película. Y si reconocéis algo de Hitchcock en ella, por favor, justificádmelo. Explicádmelo. Porque si leo una vez más La Ventana Indiscreta, please, kill me. ¿Ahora qué pasa, que todas las pelis en las que alguien grabe algo por una ventana van a tener La Ventana Indiscreta como referente capital?

Creo que la clave de esto está en entender cómo usa la gente el sistema de referentes, que algún gilipollas de la indiewire ha dicho eso y el resto de críticos, lo han leído en los posters y han hecho un copia y pega masivo. Parece comprobado, que a la crítica, le resulta muy cómodo moverse en un sistema de referencias concreto y etiquetar a esta película de hitchcockiana sin pararse realmente a reflexionar sobre semejante sandez. Es decir que son unos putos vagos.

Si habéis visto Blog de Elena Trapé o Chatroom de Hideo Nakata o la serie 24, o Serial Experiments Lain o el Estrangulador de Boston de Richard Fleischer, o esta de Timecode de Figgis, o incluso si revisáis algunas ideas de Freeze Frame de John Simpson, Enemigo Público de Tony Scott, y claramente algo de Matrix de Los Wachowski, y El Caballero Oscuro de Christopher Nolan y por supuesto y sobre todo, sus referentes contemporáneos: Manic Pixie Dream Girls de Pablo Maqueda y Todos Tus Secretos de Manuel Bartual… si hacéis esto, no os quedará duda de que Open Windows, no supone ningún paso hacia delante ni una ruptura con nada salvo con los nukes donde la han editado y desde luego, que las distancias con el cine de Hitchcock distan mucho de ser estrechas. Mirad si no, la magnífica La Vida.es 

Eso sin hablar necesariamente de Heavy Rain o Watch Dogs, por poner ejemplos ya a lo locatis.

—SUSPENSION OF DISBELIEF MODE OFF—

Al César lo que es del César, y a Vigalondo lo que es de Vigalondo, que por una parte es un tío que sabe de cine un güevo, como… venga un ejemplo que controlemos todos… como Tarantino y por otra es un morningsinger.

Ambos son hijos de la misma generación de consumidores compulsivos de cine, y ávidos lectores, unos intelectuales profundos, que conocen y comprenden el medio que usan, y obviamente, están llamados a ser los renovadores del cine actual. Lo cuál, si te paras a pensarlo un poco, y le das al botón de Captain Obvious, es de cajón pues cada generación hace su propio cine y del mismo modo que desdeña algunos de los postulados de las generaciones anteriores, coge otros y añade los suyos.

Responiendo a la pregunta que a todos nos lleva a leer una crítica, en Filmaffinity le he dado un 4. Esto es: a mi el sistema de montaje, me la trae al pairo, porque la historia que cuenta no dice nada que me interese del todo, y una vez asimilado el efecto, el efectismo, pierde toda su fuerza. En Open Windows, como que tarda mucho en arrancar la acción pese a que el incidente inductor ocurre básicamente al principio de la película. El giro de guión en plan sorpresa, es bastante deleznable, tramposo e innecesario. Para terminar la película como se sugiere en un primer momento, hay que echarle huevos. He de decir, que a nivel formal, el planteamiento visual, termina siendo tan hermético, que su aparente mirada poliédrica, no deja de mostrar caras del mismo objeto, pero que nunca permiten entender a los personajes. Quiere hacer un pequeña reflexión, mediante uno de los personajes, que  realiza una petición a cuento de una exposición a los media nunca planteada o desarrollada con suficiente autonomía como para que te importe una mierda. Eso sí, el primer tercio, pasa que ni te das cuenta, pero a partir de ahí… en picado. Y si eres montador o compositor VFX, debes ver la peli, porque los artificios y recursos, están hechos para tu deleite.

Los actores, están correctos tirando a mediocres. Sasha Grey, hace una interpretación sin alma ni gana, poniendo todo el rato esa cara que pones cuando alguien te dice – te voy a contar algo MUY gracioso – y no te hace gracia porque no lo pillas pero aún así, te esfuerzas por sonreir un poco;  y encima como podéis comparar las interpretaciones que hizo en The Girlfriend Experience o en Entourage con las de Open Windows, veréis que aquí claramente, lo hace como el culo. Además, ¿qué narices le ha pasado en la cara que parece una pelota de fútbol? Luego Elijah Wood, se ve que le está cogiendo el gustillo a esto de venir de vacaciones a España y echar sus ratos libres yendo a rodajes y sentarse delante de una cámara. Y de Neil Maskell ni hablemos. No se va a quitar la estampa psycho en la vida… Kill List, Utopia, Open Windows, etc.

El futuro del cine en España. User T 38. La Productora. La service. La Agencia. La creatividad. El todo.

Respecto al montaje de Open Windows, estoy convencido de que hubiera sido una película perfecta para usar la visión estereoscópica y no sólo jugar con la multipantalla sino con la profundidad de campo para determinar separaciones y crear dos niveles de realidad. Por un lado, habría provocado una separación entre el mundo real y el mundo online; de este modo  hubiere posibilitado visualmente conceder solidez a ese efecto visual del final que parece proponer como tesis que vivimos inmersos en un vida fragmentada por nuestra proyección virtual solapándose con nuestra vida real, de la que ambas son extensiones una de la otra y viven contaminadas sin posibilidad de separación; y por otra habría permitido un mayor desarrollo del lenguaje audiovisual.

No me cabe duda de que Vigalondo, a este paso, terminará realizando una obra maestra. Lo tiene en su cabeza, es un tío que reflexiona sobre el cine y ensaya una y otra vez en sus películas las propuestas que tiene en mente, pero la falta ese algo.

Para decirlo claro y resumiendo, Open Windows, habría sido un buen capítulo de Black Mirror, de los mejores, pero como película, es un bluff.

P.S.: También sería probable, que leáis a algún iluminado diciendo que esto es como un giallo 2.0, pues bien, salvando las distancias, está infinitamente más cerca de un giallo, que de Hitchock. Por otra parte, algunos imbéciles, sostienen que tiene que ver también con Blow Up de Antonioni, y se quedan tan panchos. Ya puestos a decir sandeces, por qué no metemos aquí también Blow Out de Brian De Palma, que para algo se parece a Blow Up; además, venga, ¿nadie quiere mencionar Minority Report?, ¿y por qué no un poco de 1984? ¿Nadie se apunta a Phonebooth de Joel Schumacher? Oye, y El Resplandor también, que para eso ocurre en un hotel, y Aliens, y si queréis un poco de los Goonies o El Coche Fantástico, lo que bien os venga.

The Dark Knight: ULTRASHOW.

La idea, de que Bruce Wayne, es  un millonario, que decide que sólo él, puede hacer verdadera justicia y de que esa justicia, es la que él hace, y para la que se siente, no sólo cualificado, sino legitimado, no había sido expuesta tan magníficamente hasta The Dark Knight Rises.

Independientemente del ir y venir de bustos parlantes y cuerpos luchando que es Batman, de los giros, y las trampas de guión, voy a hablar de las ideas que me dá la sensación son planteadas y desplegadas cuál alas de murciélago durante la película; SPOILERS, obviamente, pero sobre todo un tono discursivo noguerista.

BEGINS.

Los humanos, hemos considerado y acordado, que existen una serie de realidades concretas y tangibles a las que abstractamente hemos nominado como cosas, y que a estas cosas, les hemos concedido un atributo cuantificativo denominado valor, y al concederles valor las hemos dotado de una propiedad extrínseca que deriva en una relación material articulada como disciplina de mercado.

Es decir, podemos comprar, y podemos vender las cosas, por tanto, las cosas pueden poseerse, es decir, pueden tener un dueño. Pueden acumularse y generar riqueza. Y la riqueza se puede distribuir o proporcionalmente o desproporcionalmente.

Puede haber gente que tenga muchas cosas y gente que no tenga ninguna.  Y puede producirse lo que se llama condensación de la riqueza.

Y puesto que el valor genera una idea, la idea de que el bien es una finalidad y aspiración vital,  habrá gentes que considerarán que pueden obtener la cosa sin ser parte de la relación de transacción; es decir, hay que dotar a la disciplicina de mercado de unos instrumentos protectores para que esta ocurra sin alteraciones desnaturalizadas de sus relaciones.

Generalmente hay un cierto tipo de personas, poseedoras de tal acumulación de bienes que llegan a pensar que el sistema del mundo debe construirse en función de su propio beneficio.

Por ejemplo: un señor MUY IMPORTANTE, MUY BIEN CONECTADO, CON MUCHA CAPACIDAD DE INFLUIR EN AQUELLOS QUE REGULAN EL MERCADO, argumenta, expone y justifica que el agua es un producto y como tal, tiene que tener, literalmente, un valor en el mercado frente a la idea de que el agua es un derecho.

La idea, de que Bruce Wayne, movido por la venganza durante toda su vida, ha decidido hacer la justicia por mano propia y determina que sólo él está legitimado para administrar esa justicia. La idea de que puede imponer impunemente su criterio. La idea de que su poder es legitimado  por su status, en el que él tiene más que los que le rodean. Es decir, hay castas; hay elites. Unos arriba, otros abajo.

Que puede dotarse de los instrumentos para convertirse a sí mismo en un patrullero y armarse para ello. En un vengador. En una voz. La voz que es la luz en las tinieblas. La esperanza para los oprimidos indefensos. Pancho Villa. Salvo que ni lucha por los demás ni por el bien común. Lucha por autosatisfacer su infinito apetito de venganza.

La idea, de que hay un señor, un señor MUUY RICO, tan rico que ese señor tiene un rascacielos, y en ese rascacielos hay una azotea, y en esa azotea hay un cartel que pone su nombre con letras grandes, letras muy grandes y de neón.

La idea, de que ese señor, ES MUY RICO, tan rico como para tener toda un división secreta de I+D trabajando en su causa; y esa causa, es la de administrar justicia; su justicia…

La idea de que este señor MUUUY RICO, podría ser Donald Trump en vez de un personaje de ficción.

Y que esa idea, no sea cosa mía, ni la haya inventado yo, ni que yo proponga, que Donald Trump con la suficiente motivación podría ser Batman.

Porque el dinero, Trump ya lo tiene y con ello la legitimación para ejercer su poder a través de la fuerza, o a través de imponer su idea. A través de abrir huecos en las mentes, perforar con la taladradora de la propaganda y ubicar una idea con un sentido único.

THE DARK KNIGHT.

La Idea, de que ese Señor dice: “¿Quién te ha dicho a ti las copas de vino que yo tengo o no tengo que beber?”.

Tal vez Inception era el aviso.

Porque las ideas, señoras y señores, antes de transformarse en acciones, ocurren en las mentes. Algunas, no podemos descifrarlas ni plantear articularlas sin la práctica. Al menos si hablamos de las ideas propias y el querer transmitirlas. No de un modo narrativo y bien ejecutado, sino mismante verbalizado.

Pensar que es inocente o neutral la mirada de un escritor que está hablando constantemente del caos siendo ordenado por la policía, no está siendo ni neutral ni ingenuo.

La policía como única fuerza salvadora. No el pueblo unido, la policía.

¿Plantea una metáfora muy retorcida? ¿Es Bane el liberalismo económico y la policía el pueblo? ¿Entonces quiénes son los ricos a los que asaltan? ¿quién es el pueblo de Gotham? Dado que apenas tienen presencia notoria en el fim, ¿representa a los países del Tercer Mundo?.

Porque si de algo va Batman, es de ideas, de símbolos. Desde la primera entrega planteada por Nolan, lo importante, no es en sí Batman como ente, sino Batman como entidad. Como idea, como activo intangible. Como antorcha que se puede pasar de uno a otro. Como marca. Como la Coca Cola.

La idea de que Coca Cola, será más recordada en el futuro que tu. Que la chica a la que más amas. En el futuro, se celebrará el día de Coca-Cola, y nunca jamás el día en que te diste tu primer beso de amor y sentiste tu cuerpo zumbar por la electricidad del misterio.

No digo que lo segundo sea necesario, lo de celebrar cada pequeño gesto íntimo, digo que lo primero es lo que gobernará las ideas del futuro. Las ideas que Batman defenderá. La idea de que existe una algo sólido en el acto y líquido en la ubicación que late en las sombras esperando por apropiarse de nuestra seguridad y socavar nuestro estado de bienestar, ese en el que no somos obligados a abandonar la calma material de nuestro día a día; en el que no somos violentados para dejar de un lado nuestra normalidad establecida.

Nos preparan intelectualmente para sobrevivir a la pena de perder a un ser querido a la vez que nos alientan a sentir un vacío espiritual cuando no tenemos el último modelo de teléfono móvil.

RISES.

La idea, de que unos forajidos, deciden hacer de su idea una causa. Y que esta causa, que se secunda bajo la idea, es su factor motivacional primario. La idea, de que es en Wall Street donde se produce una confrontación entre un grupo furioso y descontrolado, sucio y andrajoso, anárquico pero organizado, contra una fuerza del orden, legitimada, pulcra, pero sobre todo última esperanza de un pueblo que ha sido sometido a la violencia de la imposición de una idea, vaga y difusa en su articulación pero concisa y precisa en su puesta en escena.

El símbolo del pueblo que toma el poder. Que va contra los ricos y poderosos. A sacarlos de sus casas. A juzgarlos y a someterlos a la voluntad popular. La posibilidad de que 87 años después, se establezca una réplica directa y contraria a las intenciones de “El Acorazado Potemkin”.

La idea, de que el líder de los forajidos, es un hombre sin rostro, un hombre estigmatizado, un hombre que no es hombre, porque depende de un ingenio mecánico para ser; y este estigma, el que a la vez lo deshumaniza y le priva de verdadera identidad, es el que le confiere el poder de ser cualquiera. La idea, la idea de que cualquiera puede sembrar el caos. De que cualquiera puede operar por su propia cuenta y autonomía contra el sistema establecido, y la idea de que sólo una fuerza legal puede detenerlo, en este caso, la policía. O un multimillonario.

La idea de que el terror puede provenir de cualquier sitio. Un ruso que actúa coaccionado y una francesa que actúa en la sombra, oculta, engañando, no sólo a los protagonistas, sino a los espectadores. La idea, de que desde Francia, viene una francesa con la intención de destruir el estado y así hendir un puñal contra el corazón del contrato social.

La idea de que la amenaza es constante, de que necesitamos protección. Protección total.

Y de que esa protección es facilitada por el gobierno. Por el ejército. Por las pastillas adelgazantes. Por la policía…

La que protege El Corte Inglés. La que pega a chavales en la puerta de un cine. Y sí, la que salva gatitos y detiene a los maltratadores. Todo eso.

En ese te caso, TDKR, la justicia del pueblo, es puesta en escena de forma teatral, de modo kafkiano y sobredimensionado, reforzada por la presencia de un juez loco, un villano. El Espantapájaros, un demente. La idea de deslegitimar  y con ello desautorizar la posibilidad de una justicia del pueblo, porque o bien esta surge de una injusticia en si, o bien porque el pueblo no está capacitado para administrar esta justicia.

Esa idea, o la contraria. La de advertir las incompatibilidades de una justicia pura y legítima cuando se justifica mediante la violencia de la revolución. La idea, de que estos forajidos, irrumpen en el corazón de la bolsa. Donde se producen los negocios. Las especulaciones. Donde el dinero es pero no es porque su presencia es virtual. Donde la macroeconomía discurre. Y lo que dicen los forajidos es que allí se roba, que ellos no han venido a robar más que otros.

La idea, que defiende es:

A)   Los millonarios y las fuerzas legitimadas por estos son las que pueden tomar el control y con éste permitir que el mundo siga funcionando.

B)   Si el pueblo no se une, estos y aquellos tendrán el control en detrimento de las libertades de la masa.

C)   No defiende ninguna idea. Es casual que en la tercera entrega, se ruede en Wall Street en vez de en los Bancos de Chicago. Es una peli de tortas, tollinas, y cacharros caros. Master pieces, y donde el bueno, mata a los malos y se queda con la chica.

D)   Comodín del público.

La idea de que ese señor, tiene un helicóptero. De que aparca ese helicóptero en mitad de la calle. La idea de que NADIE se da cuenta de que éste señor, está aparcando su helicóptero en la calle. Eso es lo que me tengo que creer. Con lo que tengo que lidiar. Eso, no es estúpido, eso es inadmisible, porque en su orquestación de la verosimilitud, ese helicóptero, suena como un helicóptero de verdad. Hace ese ruido tan característico que nos pone expectantes y atentos ante el provenir de su sonido; y sí, miramos al cielo y es porque queremos saber de dónde viene, a dónde va.

La idea de que este señor MUY RICO, se enmascara, no porque no quiera que le reconozcan, los demás, sino porque no quiere que sus allegados lo sepan.

La idea, de que en una película MUY SERIA, MUY BIEN HECHA, HIPERREALISTA, hay una chica; una chica que lleva tacones. Y que esa chica salta por los edificios y escala por paredes sin mucha dificultad. La ironía, de que a esa chica se le conoce como Catwoman, y que a esa chica a la que se le conoce por Catwoman usa tacones en vez de pies de gato para subir por las paredes y hacer sus piruetas y cabriolas.

La idea, de que esa chica, tenga un pasado muy terrible pero nunca diga que ha sido prostituta y ahora es proxeneta. Porque ser prostituta, no puede justificar el querer cambiar de vida. Sólo si eres huérfano mereces poder cambiar las cosas. Sólo borrar tu pasado, el limpiar de cara a los demás lo que consideras tus pecados es motivo suficiente para darte una subtrama.

La idea, de que ese personaje, que a través de su diálogo parece que ha hecho un ejercicio de reflexión sobre su propia identidad y las causas que le llevaron a uno u otro destino, necesita un software secreto y misterioso para borrar su pasado. Y que ese software, se llama popularmente Tabula Rasa. Pon la mente en blanco.

La idea, la idea, la idea de que una chica, probablemente acróbata, que hace tirabuzones, que salta y aterriza a su voluntad, lleva tacones y con ellos corre, sube y baja escaleras, y da patadas. La idea de que una acróbata, en las olimpiadas, salta con tacones y no se rompe los tobillos ni se los disloca.

Esa idea. Bien sea porque es erotizante o porque es funcional. Una de las dos. Pero esa idea, en sí, no es una novedad. La de que la mujer a pesar de todo, debe estar sometida a la opinión y aprobación del hombre. La idea de que Selina Kyle, va a tener la espalda muy jodida en el futuro. Ésa idea.

  No entro en las ramificaciones sobre que… La idea, de que ese hombre MUY RICO, en vez de tener un programa de becas para potenciar a jóvenes talentos, sale por la noche, disfrazado, a darle palizas a los criminales. La idea de que el compromiso que adquiere para mejorar la sociedad es pagar con la misma moneda: La Violencia. No hay reinserción. No hay seguimiento. No hay evolución. Sólo ejecución.

Tal vez nos equivocamos al seguir a Cristo (Ojo por ojo). Tal vez se equivocaron al seguir a Boabdil. Y tal vez nos equivocamos al dejar que Bruce Wayne (¿?) nos salve, con la excepción de que ahora, gracias al desarrollo del pensamiento crítico y la libertad de acceso a la información, tenemos la posibilidad de elegir y elaborar y dar una respuesta alternativa.

COLLIDES.

Cabría pensar, que la idea que quiere transmitir Nolan es la de que Bane, representa el peligro de la revolución, cuando Caudillos con otros fines pero mismas ideas constrictivas se alzan con el liderazgo.

Pero esto no es posible, porque Bane no presenta un modelo constructivo, sino destructivo. Él representa un modelo no consultivo y únicamente auspiciado por una minoría oculta, la de la Liga de Las Sombras.

Bane, que todo el rato habla de devolverle la ciudad a los ciudadanos y de armar al pueblo con suculentas premisas de liberación, parte de una base totalmente opuesta a la que plantearían esos movimientos. Porque Bane, señoras y señores, no lo olvidemos, tiene una bomba atómica dando vueltas por la ciudad.

La idea de que el poder no reside en el que lo ostenta sino en los que lo conceden.

La idea, de que en tiempos de crisis, aquél que se erija como salvador, será seguido. El poder de Bane no deviene de la libre decisión y aceptación, proviene de una imposición unilateral. Por eso Bane, es un reflejo distorsionado del movimiento Occupy Wall Street.

Bane, como intento de fuerza representativa del cambio de paradigma no aglutina la soberanía de la masa, por más que insista en la idea de devolver Gotham a sus ciudadanos. El comanda, a su antojo, desde el primer momento, por ello es incompatibe plantearlo como la peor de las vías de la revolución, la dictadura. El auge de la totalicracia. Y cuidado, no hay que olvidar que esa es una de las posibles vías de la revolución.

Por esto, Bane nunca puede representar esa idea.

Con independencia de que  articule un discurso reaccionario o revolucionario, es un instrumento de propaganda; la  idea de enmascarar de ingenuidad esas ideas con Batwings, Batcars, explosiones nucleares, giros de guión y una música  omnipresente que aplasta y reblandece el cerebro, lo extenúa y lo predispone a recibir el golpe de esas ideas.

La idea en si,  es que The Dark Night Rises, no es trepidante sino que es trepanante.

Mission: Impossible Is Nothing.

¿Qué pasa con Mission: Impossible Ghost Protocol y los mínimos de verosimilitud exigibles?

Antes que nada, debo decir que no soy guionista, que ni siquiera he terminado de leer el libro de Mckee ni me he atrevido a echarle unos ojos a los del Chion, que para mi lo mejor de Syd Field es que comparte nombre con Syd Mead y que parece ser que los guionistas  tíos que han escrito M:I GP, saben de conformar un universo lo mismo que yo sobre antimateria, porque si no, no se explica esos agujeros negros de guión que tiene la película.

Al loro que Tom Cruise está más cachas de lo que yo he estado en mi vida.

Después de eso, entiendo (y acepto) que es una película ligera, y que la carga dramática y la progresión de la misma no son los valores potenciados, y que todo recae y se supedita a dar rienda suelta a  las secuencias de acción (es decir las tortas por minuto), pero esto, no disculpa muchas de las cosas que ocurren como:

Nada más empezar, volamos sobre Budapest para descubrir que están persiguiendo a Tom Cruise  Swayer   Josh Holloway y que éste está huyendo por los tejados, mientras dispara a diestro y siniestro sin mirar ni apuntar mucho, a lo cowboy; en una de esas, el tejado se le acaba y se lanza al vacío desde un cuarto piso, en lo que parece una jugada kamikaze que inmediatamente descubrimos ha sido una treta puesto que porta un dispositivo de inflado automático que ha hinchado un colchón de aire que le salva de romperse la crisma.

Acto seguido, tras comprobar que sigue de una pieza, Swayer Josh Holloway, corre en pos de su grupo para continuar con el plan de evacuación cuando un pibonazo francés Léa Seydoux aparece de la santa nada y le pega tres tiros en el pecho cuasi a quemarropa matándole, para después robarle un portafolio con importantes documentos que articularán justificarán el ir y venir de la trama.

La boina, complementa la identidad de Josh Holloway, claramente, su personaje es francés.

En este momento, uno piensa y asume que bueno,  es lógico que si te disparen así a bocajarro mueras… Pero… ¿me estás diciendo que un espía de élite que tiene un colchón inflable en la espalda para sobrevivir a caídas de 4 pisos de altura no lleva puesto un puto chaleco antibalas? Aún un poco más allá.. ¿me estás vendiendo que una asesina de élite, se arriesga a disparar al pecho a un objetivo al que pilla por sorpresa y del que le separan menos de 5 metros en vez de pegarle cuatro tiros en la cabeza?

Undress to kill…

Al rato en uno de los rescates menos sutiles de la historia, descubrimos que la FMI tiene teléfonos secretos en los suburbios de Moscú tan sólo para que Tom Cruise pueda aceptar su misión. La idea es interesante, pero no sé si expone el poder de la FMI o su estupidez, por lo de camuflar una pantalla ultraplana en un teléfono de esos de cuando La Cabina de Mercero y que va a tener un tiempo útil de vida de 1 minuto.

Digamelón…

Porque eso implica que alguien ha invertido tiempo en diseñarlo, en adaptarlo para poder ser camuflado en un tipo de cabina telefónica rusa, en diseñar un loquendo personalizado, en posibilitar la carga de datos vía satélite y actualizarlos en tiempo real. ¿Cuánto cuesta un teléfono de esos? ¿Quién lo ha instalado? ¿Cuándo lo ha instalado? ¿Qué sentido tiene querer enviar un mensaje ultrasecreto cuyo contenido puede cambiar el curso de la humanidad pero a la vez dar ese mensaje en la vía pública?. Del vagón de tren del futuro, mejor ni hablar.

Mucho más tiempo después de comprobar que el Ipad es un must si decides asaltar el Kremlin, y que para camuflarte en Rusia y no llamar la atención lo suyo es vestir una camiseta de Born In The Usa de Springsteen, Tom Cruise es hospitalizado y acusado muy injustamente de ser un conspirador e invasor yankee, lo que le empuja a huir y terminar pidiendo una extracción segura de Moscú petición que da lugar a que  Hawkeye  Jeremy Renner y Cruise se conozcan obsequiándonos con el momento WTF del primer tercio.

I´M A COOL ROCKING DADDY IN THE U.S.A.

Tom Cruise intuye que se ha cruzado con Mikael Blomkvist   Michael Nyqvist  y que éste, es el Dr No de ésta aventura, pero para cerciorarse, pide un bolígrafo que Hawkeye  Jeremy Renner le deja muy amablemente. Bolígrafo en mano, Tom Cruise se dibuja en la fucking palma de la mano un fucking retrato robot de precisión biométrica en lo que tarda en bajar y subir la mano para asombro y desde luego, un infalible sistema de comprobación de la suspensión de la incredulidad, pues si te tragas eso, ésta es tu película.

¿Por qué el ruso con el que se fuga Tom Cruise de la prisión de máxima y mínima seguridad de Moscú también está en Dubai 36h después de fugarse? ¿Cuánto tiempo tardaron en soltarle los de la FMI y dejarle abandonar el continente si se suponía que  tenían  que protegerle como a un testigo protegido?

¿Cómo de brillante resulta querer hacer un asalto secreto asomándote por todas las ventanas del edificio más alto del mundo? ¿Cómo es posible que agentes entrenados en el asalto sigiloso, la infiltración y demás, piensen que dar vueltas por la fachada de un edificio va a resultar? No digo que la película no sea divertida o que precisamente el estupidismo la haga divertida. No lo sé. Pero está claro que a estas alturas, cualquiera es capaz de entender que nuestros limitados conocimientos y menos prácticas sobre espionaje dan para algo más.

Yes, we  jarl.

¿Por qué montan la que montan de colarse en la fiesta, seducir a Douglas Reynholm, conseguir el código del ordenador satélite, poner la vida en peligro de Hawkeye Jeremy Renner si de todas formas podrían haber emboscado directamente a  Mikael Blomkvist   Michael Nyqvist y al esbirro random en la cadena de televisión sin poner en peligro sus propias vidas y evitando de paso exponer a riesgos inútiles a los inocentes que asisten a la fiesta?

“Pucker up boys. It’s hammer time!”

Asumiendo que el maletín de control del dispositivo de la ojiva nuclear permitiría una eventual cancelación a tan sólo 1 segundo de alcanzar su objetivo, ¿por qué Mikael Blomkvist   Michael Nyqvist se suicida lanzándose al vacío con el maletín cerrado en vez de abierto y así provocar su uso improcedente anulando de paso la garantía?

A ver, no sé mucho de amistad ni de traición, pero el conflicto vital y motivacional de Jeremy Renner es que no impedir la muerte de la mujer de Ethan Hunt, ha cambiado el paradigma de su vida motivando un cambio de profesión, provocándole un trauma que le ha incapacitado para seguir siendo un agente de campo. Lo cuál si te paras a pensarlo, ha debido ser realmente serio porque un asesino de élite, así a bote pronto, no parece el típico pavo moñas y pagafantas que tiene muchos sentimientos y se permite dejarse arrastrar por un torbellino emocional. Vamos que cuesta creer que su reacción al descubrir que la mujer de Tom Cruise aún sigue con vida, sea poco más que ponerse en mood Chuck Marstein y decir: Lo Acepto.

Jeremy Renner tomándose muy en serio Halloween.

¿En serio? ¿En serio me estás diciendo que Jeremy Renner que lleva traumado con eso la de diós no le reprocha nada? ¿Una culpa que ha cambiado su modo de ver y enfrentarse a la vida, que le ha consumido por dentro y lo único que hace es no hacer nada?

You know who we are?
He said, I don’t give a fuck, I´m Snoop Doggy Dogg.

Eso por un parte y luego por otra, parece que hay un mensaje subliminal desarrollado a traves de tres elementos, todos ellos relacionados con el caos y la falibilidad.

En su camino a Bagdag Qatar, Tom Cruise conduce despreocupado mientras habla sin prestar mucha atención  a la carretera, cuando de repente percibe a unos camellos que por poco provocan un accidente.

Tom Cruise, con la visibilidad reducida por culpa de la tormenta de arena, casí muere empalado por una sombrilla.

Sí, había un tercer elemento; pero vimos la peli como hace un mes y se me ha olvidado qué era. Quizás los guantes mierder de spiderman, quizás la máquina de hacer máscaras, quizás mi cerebro… who knows?

Si uno se para a pensarlo, Hitchcock hubiera sido un director fenomenal para Mission: Impossible; el creía a pies juntillas en el absurdo que desarrollaba y si no creía en él, al menos ejecutaba con precisión el truco de manos que volvía posible lo imposible, de otro modo, no se explica la celebración del absurdo total que supone North By Northwest y la veneración con la cuál aceptamos que una avioneta sea más efectiva que un tío con una Thompson acribillando a Cary Grant.

Impossible by is Impossible.

12 hungry men.

Por fin he visto, 12 Hungry Angry Men (Sidney Lumet, 1957):

Hombre, quizás están cabreados con el técnico del aire acondicionado…

Debo decir que pese a lo aparentemente simple de su trama, no logro entenderla. Mucha gente me habla maravillas de ella y yo la verdad que no la he disfrutado en su totalidad, bien sea por lo poco que me interesa a priori el género o bien por lo repetitivo del esquema de desarrollo y progresión del mismo.

SPOILER ALERT. A partir de ahora voy a exponer cosas que de algún modo u otro van a revelar explícitamente partes de la trama, recomiendo a quien no haya visto 12 Angry Men que siga leyendo bajo su responsabilidad porque quizás al final resulta que todos estaban muertos.

No voy a hablar de los significados y cuestiones obvias, como la representación demográfica que se hace con cada uno de los miembros del jurado (el racista, el conservador, el empresario…), ni de la cuestión social, ni de la obligación social vs la responsabilidad moral (norma vs. código), ni de que no haya presencia femenina entre los miembros del jurado ni nada de nada, voy a exponer cosas que me han llamado la atención.

El uso del  clima como  treceavo miembro del Jurado. Un clima húmedo, asfixiante, ciertamente opresor y funestamente irónico, un  clima asqueroso de pantano y mosquitos, vamos de valencia goes Campus Party; aunque llueva, la temperatura no varía, el mismo calor, el mismo tedio, una atmósfera obviamente deudora del cine negro a parte de una excusa que permite entablar recurrentes temas de conversación entre los personajes, hábil y fútil a partes iguales. Un clima que claramente se mimetiza con la intensidad del proceso, o bien hace que ésta aumente.

La relación entre Henry Fonda como Jurado #8-Davis y de Joseph Sweeney como Jurado # 9-McCardle,  pero no sólo la relación entre ellos sino su presentación y la oscura analogía que parecen representar para con el padre asesinado y el hijo acusado.

Henry Fonda y Joseph Sweeney desconcertados ante el estreno de 13D Angry  Men.

A Henry Fonda, no tardan en llamarle la atención ni bien pasados 9 minutos; él permanece ajeno al jurado, mirando por una ventana, aparentemente ensimismado hasta que le interpelan para que se siente con los demás miembros, un simple gesto que sirve de preámbulo y complemento a la personalidad que el personaje mostrará a lo largo del film.

Claramente Henry Fonda va a darlo todo por dar la nota, no sé si es porque en su casa su mujer le pega a sartén abierta, o bien porque el ritmo de la película se ha planteado así pero el caso es que Henry Fonda va a hierro desde la primera votación y no se tiene ningún pudor por maquillarlo.

Por otro lado, Joseph Sweeney siquiera está en la sala; su ausencia, en un principio, no está motivada por su ensimismamiento o por su personalidad, simplemente porque aún no ha llegado, quizás matizando la idea de que debido a su edad, a priori, nadie le tiene en cuenta; de lo cuál hablará más tarde queriendo matizar el testimonio del anciano. Un forma sutil pero efectiva de excluir a un personaje de un grupo, de marcarlo y con ello separarlo.

Bruce Wayne y Alfred tras acordar quién se va con la rubia y quién con la morena.

En un principio, estos dos personajes se acercan y se separan por vestuario, además, son los dos únicos personajes que han revelado su nombre; quizás la idea que se quiere expresar es que se han ganado el derecho al nombre por no aceptar de base las normas del sistema, lo que, imagino, vendría a ser el mensaje del film. Todo el mundo tiene derecho a la justicia, sólo que algunos no saben que hay que ganárselo (¿?). A parte de hablar de las connotaciones negativas del clasismo y de las de la falta de respeto. Escuhar para ser escuchado.

Hasta aquí, todo bien…

La que fue quebrada regresará a minas Tirith.

¿Qué? ¿Cómo? Henry Fonda tiene EL MISMO MODELO de navaja con la que asesinaron al Padre. Vaya wapo… pero… espera ¿Por qué?; ¿por qué un arquitecto bien posicionado tiene la misma navaja que un chaval de las Barranquillas?

La navaja de Henry Fonda es lo que da a lugar a que se instale la duda razonable total, ese es el primer punto de giro hacia esa duda razonable total, es el momento exacto en que los personajes en su totalidad deben justificar su voto de culpabilidad. Esa navaja es lo que hace que el barco de la culpabilidad vire hacia la inocencia.

¿No es curioso?                                                              
¿No es DEMASIADO curioso?
¿Saben qué otra película de mismo género se produce ese año?

Obviamente, toda la película, gira entorno a la idea de que el Acusado sea culpable o inocente y la responsabilidad de aquellos que han sido designados como jurados… nunca importa quién sea el asesino en caso de que el Acusado sea declarado inocente, no, de eso no va la película… va de cómo la sociedad se enfrenta a esas situaciones; de cómo nuestra formación como individuos nos predispone para emitir uno u otro veredicto, vale, hasta ahí correcto pero… venga, vamos a ello… Y si… ¿ y si Henry Fonda es el asesino? ¿Y si bajo su máscara de relativismo Henry Fonda es un frío y calculador psycho que juega con el jurado de tal modo que cambien su voto sólo para demostrar hasta qué punto es capaz de manipular a los que le rodean? El talante y el temple de Henry Fonda generan una sospecha de que sabe algo más; en si, haber ocultado la navaja le ha permitido manipular la situación hasta ese momento. Ha jugado con ventaja. Henry Fonda guía a los personajes durante toda la película de un modo muy consciente, pudiera decirse que incluso fingido y casi siempre con una sonrisita de satisfacción.

A parte, sorprende brutalmente el acoso al que termina siendo sometido George C. Scott Lee J. Cobb como Jurado #3 en el último segmento del film, la frialdad con la que es tratado y el modo en que le presionan para que cambie de parecer. Más que un intento consensuado por abrirle los ojos ante la duda razonable la situación deviene en un implacable acecho silencioso, en el típico bullyng de patio de colegio. Aunque finalmente lo que hace que se derrumbe es que asuma la rotura familiar con su propio vástago, es la presión del grupo lo que empuja que la voluntad de su juicio se vea comprometida:

De culpable a inocente por la vía del linchamiento popular.

Lee J. Cobb, target acquired.

Con ello, se establece la triple analogía del filme; un padre que ha perdido a su hijo en vez de un hijo que ha perdido a un padre, pero no de una forma absoluta como en el proceso por el cual se ha conformado el jurado; Lee J. Cobb ha perdido a su hijo en un grado relativo, puede recuperarlo siempre y cuando acepte que el orgullo es lo que le ha alejado de él.

Contestando a la pregunta anteriormente formulada; durante 1957 fue estrenada Witness for the Prosecution de Billy Wilder. ¿Recuerdan Testigo de Cargo? Eso de soy culpable bueno no pero sí… pero no pero sí…