The Disaster Artist.

En 2013 Greg Sestero escribió (y le publicaron) un libro autobiográfico en el que rememora sus vivencias entorno a su amistad con Tommy Wiseau y la gestación y perpretación de The Room. Y si por algo The Room ha asaltado el mainstream a finales de 2017 y yo estoy escribiendo esto es por culpa de James Franco.

actor-greg-sestero-poses-before-signing-copies-of-his-new-book-the-picture-id182629766Greg Sestero Bateman. El tercer hemano Bateman en discordia.

Oirás, o igual no, decir de The Room que es El Ciudadano Kane de las películas malas. Que es indiscutiblemente la peor película de la historia y cosas asi. Entiendo que esto lo dice gente que no ha visto películas de Godfrey Ho. En fin, no puedo decir que The Room no sea mala pero tampoco puedo afirmar que sí lo sea en el modo en que por ejemplo considero que The Disaster Artist sea mala. Creo firmemente que The Room no es mala per se y se trata de una experiencia visual mucho más intensa y conmovedora de lo pretendidamente que es Dunkirk, aunque es cierto que desafía lo que consideraríamos la calidad standard de una película que emplea y usa los mecanismos del lenguaje narrativo al uso.

Si no has visto The Room, lo único que se me ocurre decirte es que es una película salvaje, primitiva, ingenua, pura en el sentido de que es básicamente una verdad total; es como contemplar y asimilar la realidad tangible y absoluta que implica que un triangulo tiene 3 lados de cualquier forma en la que dibujes un triángulo. ¿Cómo le explicas a alguien ciego qué es el color rojo? El lenguaje tiene unas limitaciones implícitas que apresan y constriñen la capacidad de generar ideas y desarrollar conceptos, en cambio, las emociones simplemente se sienten. The Room es una película en la cuál su director, guionista, productor y protagonista, pone en escena una serie de situaciones sin pies ni cabeza y vivencias que desarrolla sin atisbo de cualquier lógica que puedas aplicar y son imposibles de conectarse unas con otras pese a compartir cierta intención de unidad y cohesión.

Lo que hace interesante The Room, más allá del whatdafuckismo, la risa fácil y la sorna hooligan-garrula automática,  es que desvela cómo alguien incapaz de expresarse emocionalmente haría una película. Si le dieras poder total a un austista que nunca ha visto una película para hacer una película, The Room sería lo más cerca que estaríamos de ello. Es el grito enfurecido de un borderline que en el fondo lo que te está diciendo es: Te quiero; aunque lo exprese con patadas al aire pretendidamente gráciles mientras pierde el equilibrio y cae al suelo. Abre un agujerito en la cabeza de alguien que no entiende ni asimila la realidad como una persona normal y te deja mirar dentro. Es el viaje de Bowman hacia el Niño de las Estrellas y una vez que has experimentado esto, no hay vuelta atrás, has sido cegado por el brillo de una supernova. Digamos que The Room es una película cgi que está a punto de cruzar el valle inquietante pero no lo hace y se queda a un paso y genera una sensación de rechazo aunque de reconocimiento y fascinación instantáneas. Es casi tan real que puedes tocarla, aunque sus artefactos y engranajes son tan bizarros que asemejan ilusorios.

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The Room podría ser una vehiculación fílmica sincera y transparente del modo en que alguien que es incapaz de conectar con las emociones tal y como se supone que lo hacen las personas neurotípicas desarrolla una película. Aunque hay que subrayar que pese a todo esto, las inteciones de Wiseau siempre fueron hacer algo a caballo entre una película memorable como “Al Este del Edén” o “Rebelde sin causa” y con unos referentes más cerca de Kubrick o Elia Kazan que de un Jess Franco o Brian Yuzna ávido de cobrar cheques. La diferencia está en que mientras estos antes mencionados sabían perfectamente lo que hacían y eran conscientes de ello y sus limitaciones, Wiseau está conectado unicamente con su propia realidad, Tommy Planet.

Dicho esto, vamos a meternos en The Disaster Artist (based on a true story), dirigida, producida y protagonizada por James Franco y basada sin mucha fortuna en “The Disaster Artist: My Life Inside The Room, the Greatest Bad Movie Ever Made” de Greg Sestero. ¿Por qué digo sin mucha fortuna? Porque la película de Franco, hecha por profesionales, por gente con una trayectoria dilatada, falla desde el primer minuto en presentar a sus personajes y establecer sus relaciones. Es tan torpe y burda, que su distancia con The Room no es tanta como parece.

La secuencia de inicio, pasado los bustos parlantes de gente guay del establishment contando sus mierdas sobre The Room, plantea el momento en que Sestero se acerca a Wiseau para ensayar una escena juntos.

¿Cómo describe Sestero su interés por acercarse a Wiseau?

Sestero, para ponernos en antecedentes, es un joven modelo afincado San Francisco que ha hecho campañas para grandes firmas como Ralph Lauren o Armani y le ha entrado el gusanillo por ser actor. Como no tiene ni puta idea de actuar, se apunta a unas clases de interpretación con Jean Shelton donde coincide con Wiseau. La Jean Shelton esta debe ser una Assumpta Serna de la vida importante, y debe manejar un palo con el que da hostiazas para acariciar y machota con pinchos para pegar. La imagen que Sestero describe de Wiseau es una especie de pirata cavernícola con pantalones cargo con los bolsillos llenos que lidera una revolución hacia la nada. En una de esas, estando en clase, que Wiseau sube al escenario para presentar una escena de A Streetcar named desire y comienza a actuar como si fuera un loco chillando Steeeeellaaaaa más veces de las que está escrito en la obra mientras muchos de sus compañeros se parten el ojete a mandíbula abierta; al terminar la escena la profesora le interpela diciendo-  ¿Pero pedazo de subnormal qué cojones has querido hacer? ¿Eres tonto o qué te pasa? – A lo que Wiseau le dice algo como – Lo he hecho emocional. le he dado emoción – o algo así de modo que la confronta directamente mientras sus compañeros se mean en los pantalones del miedo, que no respeto, le profesan a la Shelton. La otra le replica alguna mierda y Wiseau sigue erre que erre. Esta confrontación denota una muestra de valor, arrojo, autodeterminación y confianza, que por carecer Sestero de ellas, llama poderosamente su atención y decide en este momento que al terminar la clase le va a pedir hacer una escena juntos para clase. Sestero siente que debe aprender del Pirata a ponerse un par de webos entre las piernas y salir a la plaza de la vida a por todas. A partir de ahí, comienza un viaje hacia una amistad improbable pero no imposible.

¿Cómo presenta James Franco a Sestero y su interés por acercarse a Wiseau?

Sestero está en el escenario pasando una escena con su compañero. Lo hace fatal. La escena termina y Melania Griffith le dice: Sestero, eres inseguro no tienes valor tu problema es…

Luego sale James Wiseau. La cámara le sigue de espaldas sin mostrar su rostro como para querer darle un aire de misterio. El vestuario es acurado respecto a lo que describe el libro. James Wiseau hace el caricato máximo. Coge una silla, se sienta en ella. Zarandea la silla, la arroja. Trepa por una tramoya cual Donkey Kong se deja caer y moribundo en el suelo, clama una y otra vez: Steeeeellaaaaaa. Se levanta y se va de el escenario a lo Drop The Mic y pum. Corta a: Aparcamiento saliendo de clase, Sestero le pide hacer una escena juntos sin que entendamos demasiado bien el motivo. James Wiseau hace el creepy un rato y la siguiente escena se pasa por casa de Sestero para recogerle en plan friko total.

ChimeCOMPARATIONEstos pequeños detalles, que son tan fáciles de hacer, me perturban mucho cuando se realizan deliberadamente mal.

Pasado bastante el segundo tercio de metraje, la película desarrolla una escena parecida a la escena de presentación del libro pero sin venir a cuento y sin ningún tipo de necesidad en ese momento, solo para marcar que Wiseau está en las antípodas. Para ello se vale de la figura de otro profesor de teatro quien le espeta a James Wiseau que tiene más pinta de villano al uso que de héroe; y que encajaría mejor interpretando a un Drácula o Frankenstein pues tiene pinta de esto y apostilla para rematar que NUNCA JAMÁS LLEGARÁ A SER UN ACTOR DE VERDAD mientras los compañeros de clase se vuelven a reir de él y es entonces cuando James Wiseau hace un alegato propersonaje pero no desde el personaje sino desde el autor: “Vosotros os reís de mi, vosotros sois los villanos, no yo, yo yo soy el héroe”. A estas alturas de la cinta, ya se vislumbra que Wiseau es un outsider. Pero es un outsider porque James Franco dice que es un outsider no porque necesariamente lo parezca o el personaje se desarrolle como uno. Su aproximación respetuosa al personaje es a través de la pena y lástima, desde un punto de vista de superioridad típica de alguien que se cree por encima y mira a este Wiseau con cierta condescendencia. Para esto nada mejor que mirarse las entrevistas que está dando James Franco durante la promoción de la película. Una de las cosas que hace que Wiseau sea un outsider si no conoces al personaje, así de un primer vistazo, no es solo por cómo viste sino cómo confronta al mundo que le rodea. Es un conflicto contaste consigo mismo y con lo que le queda próximo.

Esta divergencia y el modo en que cuenta este hecho, hace que entiendas que Franco no es capaz de compelir los mecanismos de la relación entre estas dos personas, o que si los entiende, deliberadamente los ignora para sabotearlos. Digamos que la progresión entre Wiseau y Sestero es importante para llegar al rodaje de The Room. El caso es que Franco ante su incapacidad de narrar esta historia, descrita con perfección en el libro, opta por la típica vía burda de expresar a sus personajes no por sus acciones sino por sus palabras como en cualquier mierda de película que no hace uso o da muestras de ningún otro aprovechamiento de los recursos que permite el lenguaje cinematográfico.

JamesFrancoWiseauUno de estos 3, es un poser, hipster y wannabe. Los otros dos conducían carracos con tubarro y nacieron para ser unos underdog first blood de aupa.

Quizás conectas o no con la película o te interesa o no o lo que sea. Desde luego está tan lejos de la maravillosa Ed Wood de Tim Burton que da un poco de rabia cómo dicen que juega en esa categoría. Volvemos a lo mismo, el sistema de referentes para mucha gente está tan descalibrado que queda fuera de rango. James Franco no hace otra cosa que contar las chanzas del marginado del tuto desde la perspectiva del capitán del equipo de fútbol, posicionándose no en el retrato pero sí en la caricatura descafeinada, sin llegar a comprender que el verdadero drama no reside en ser un marginado sino en no creérselo uno y chocar una y mil veces contra una realidad preestablecida para lograr una serie de objetivos vitales muy marcados y definidos. Se podría decir que Wiseau no tiene una trama aspiracional, pues él ya se cree el puto amo, desde la inconsciencia obviamente, y así lo demuestran sus obras y milagros, en todo caso la historia de Wiseau es la del Impossible is Nothing. Un claim que se entregó mal escrito, y que alguien aprobó para hacerse uno de los más famosos de la historia.

 

You can laugh, you can cry, you can express yourself, but please don’t hurt each other.

Para ver la mierda de The Disaster Artist, mejor mírate The Room o si no has visto Ed Wood, mírate Ed Wood. Me da mucha pereza toda esta mierda de James Franco. Franco va de artista total, que pinta, que escribe, que lleva gafitas como de leer queriendo ser una especie  Da Vinci Millenial y tal mientras que Wiseau es una mezcla entre la ingenuidad esperpéntica de Michael Jackson y la ambición paranoide de Howard Hughes o algo así. Si lo miras de cerca, no se alejan tanto como parece, solo que con James Franco se disimula un poco mejor.

tommy-oh-hai-redditQuiero esta chaqueta de The Neighbors.

 

PS: Cuando te rías de Wiseau piensa en ti. En tus logros, en tus metas. En lo que has conseguido. En lo que no. En lo que has querido agarrar con los dedos de las manos y por lo débil de mierda que eres se te ha escapado y no has podido hacer nada para retenerlo, porque mientras la gente se mofa de The Room, Wiseau, por alguna extraña deferencia khármica se está forrando con ello.

TommyINVENTORES

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GOJIRA.

Vi ayer (quizás hace 3 meses ya ni me acuerdo de cuándo ) Godzilla y aunque tiene momentos que odio con todo mi corazón, me puso una sonrisilla en la boca que me dejó muy satisfecho como no me ocurría en una sala de cine desde que vi Jurassic Park siendo un renacuajo. Puedo decir mil cosas buenas de Godzilla y otras mil cosas malas, sólo digo que la vi en una sala Dolby Atmos y por esta sala, como espectador, he recuperado las ganas de ir al cine para sentirlo de nuevo como un espectáculo.

GODZILLA Mov #01

¿Sabes esa peli que hizo Guillermo del Toro el año pasado sobre unos robores muy grandes que se toñaban y que probablemente robara todo lo que Weta Workshop había desarrollado para un live action de Evangelion? Sí, hombre, aquella peli que protagoniza el de la serie de Los Ángeles Del Infierno pero que no son Los Ángeles Del Infierno por problemas legales… pues bueno, nada que ver.

En fin, ¿de qué va Godzilla? Pues mira, Kick Ass vuelve de dar estopa en una guerra de esas contra pakis o el pueblo con el que esté USA en guerra ahora, pero claro, para hacer que sea buen pavo, pos no es un soldado mata-mata, es uno que desactiva bombas, como el Jeremy Renner en The Hurt Locker, aunque sin estar to rayao ni tener mucha más profundidad, no sea que tal. El caso que el Kick Ass vuelve a su casa muchos después de un buen tiempo en el frente y por fin se va a reunir con su mujer, que es la de Martha Marcy May Marlene, la hermana Olsen que actúa bien… Pues no, porque su padre, Hal la está liando parda en Japón, y antes de eso, su madre la ha palmado en la explosión de un reactor nuclear, en plan Chernobyl pero grabado en 4K; El caso es que Kick Ass es gafe y todo lo malo le sucede a él. A lo largo de la peli, le suceden mil movidas del palo que se le muere su madre, su padre se queda tocadito de la chaveta, vivir una guerra, el matrimonio, que le arresten por colarse en sitios chungos en cuarentena, la muerte de su padre, el ataque de un bicho muy grande y feo, el mismo ataque de ese bicho en otro continente mientras el bicho se toña contra Godzilla, llamar a su piba para decirle que huya pero que esta más o menos no pueda, el ataque del bicho muy grande y feo en mitad del monte y escoñarse por un puente, y luego ya, otra vez, contienda final contra todo lo que le rodea… Lo que os digo un poco machacón…

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El Godzilla de Gareth Edwards, contiene imágenes francamente memorables, una puesta en escena y una escala que hacía muchísimo que no veía tan bien aprovechadas. Además aporta unas soluciones de encuadre para reflejar la magnitud de las contiendas de las que se puede aprender mucho (Michael Bay, toma nota para Transformers 5). Godzilla tiene imágenes de una madurez y belleza insospechada y un guión escrito por un chaval de 12 años. La tensión que esto genera, difícilmente puede resolverse a favor de un equilibrio satisfactorio; la estructura narrativa es la clásica repetición por variación, salvo que apenas hay variación en los retos que debe superar el personaje/protagonista. La sensación que provoca es una especie de continuo deja-vu y hastío, un viaje de ida y vuelta sin moverse del sitio. También es cierto, que las situaciones a las que se enfrenta Kick Ass son bastante forzadas, y consigue estar en el ojo de todas las hogueras que se prenden a lo largo del metraje.

Vamos, que Godzilla, tiene ideas muy buenas y no sabe del todo qué hacer con ellas. A mi la película, me encantó. Me encantó porque conecté desde el minuto 1 con su interesantísima secuencia de títulos y entré en su propuesta, pero entiendo que analizarla es tumbarla y no dar dos duros por ella, pues no termina de funcionar ni como blockbuster chustero al uso, ni como película con intenciones avanzadas.

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Si podéis verla en una salta Dolby Atmos, en 3D, a 4K y todo este rollo, francamente, os lo recomiendo. De otra manera, me da, que la experiencia, no es la misma.

Open Windows

Antes que nada, me gustaría que hiciéramos un pequeño ejercicio de suspensión de la incredulidad. Imaginemos por un instante que esta película no es de Nacho Vigalondo. Que no sabemos quién es este pibe; que ni le odiamos, ni le amamos, que no estamos polarizados respecto a su persona, y respecto a su obra.

—SUSPENSION OF DISBELIEF MODE ON—

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Cartelazo de UserT38

Bien, ahora pasemos a hablar de Open Windows.

Sin rodeos: Open Windows es una película regulera o mala, según se mire. Ni me compliquéis la vida, ni os la compliquéis: NO, NO, Y NO ES UNA OBRA MAESTRA. Es un technocyberthriller con giros de guión cutres, e ideas simples, tomadas de aquí, de allá, de un poco más lejos y de un poco más cerca, cuya particularidad, reside en cómo ha sido editada. Chapeau por el editor, lástima el guión.

Open Windows, viene a ser un ejercicio de estilo que no termina contando mucho más que cualquier trhiller chorra que se os ocurra y cuyos guionistas apenas se hayan documentado leyendo Alt1040 u ojeando una wired. Si ves Open Windows, a ti hijo del internet, lector de blogs, y poseedor de un sentido del humor escacharrante vertido en tu cuenta del twitter, muchas cosas te sonarán y te sentirás reconocido en ellas, por ende, te resultarán atractivas. Cuando veas algunas escenas, dirás hostia, están como en un panel de la Comic Con, hostias, salen unos pavos en plan como los Anonymus, hostia la Sasha Grey vestida, el Frodo haciendo del papanatas de Grand Piano, el notas to psycho de Utopia que mata niños, el Carlos Areces, El Pueblo de Los Malditos, el Time Bullet pero en cutre a lo sonar de El Caballero Oscuro en plan los créditos del Off de Physalia… Vamos que, probablemente, os divertiréis.

También es probable, que leáis estos días mucho la palabra Hitchcock. A unos, lo de Hitchcock os sonará de oídas, a algo de pelis en blanco y negro de esas taco lentas, otros pensaréis que es la peli esa del Will Smith haciendo de súper-vagabundo, y a otros muchos, espero, o resultará una palabra reconocible por ser el apellido de un director sin ínfulas ni pretensiones pero con una concepción muy clara y consciente de cuáles eran las herramientas y mecanismos para manipular al espectador. Que es un poco lo que le pasa a Vigalondo, o esa sensación da, que controla la movida, que sabe cuándo debe acercar la cámara, cuándo alejarla, cómo usar el fuera de campo, etc, etc, pero con pretensiones e ínfulas. El tío tiene ideas de puta madre e igual de retorcidas que algunas que tenía Hitchcock… como por ejemplo, que Sasha Grey interprete a una tía a la que coaccionan para que enseñe las tetas… A SASHA GOD FRAKKING CHRIST GREY a la que golpe a de click, puedes verle el corazón a través de la garganta…  Pero de ahí, a decir que es como Hitchcock… es MIERDA. Así de grande la MIERDA. Colosal MIERDA. No os dejéis engañar. No así, por favor. Id a ver la película. Y si reconocéis algo de Hitchcock en ella, por favor, justificádmelo. Explicádmelo. Porque si leo una vez más La Ventana Indiscreta, please, kill me. ¿Ahora qué pasa, que todas las pelis en las que alguien grabe algo por una ventana van a tener La Ventana Indiscreta como referente capital?

Creo que la clave de esto está en entender cómo usa la gente el sistema de referentes, que algún gilipollas de la indiewire ha dicho eso y el resto de críticos, lo han leído en los posters y han hecho un copia y pega masivo. Parece comprobado, que a la crítica, le resulta muy cómodo moverse en un sistema de referencias concreto y etiquetar a esta película de hitchcockiana sin pararse realmente a reflexionar sobre semejante sandez. Es decir que son unos putos vagos.

Si habéis visto Blog de Elena Trapé o Chatroom de Hideo Nakata o la serie 24, o Serial Experiments Lain o el Estrangulador de Boston de Richard Fleischer, o esta de Timecode de Figgis, o incluso si revisáis algunas ideas de Freeze Frame de John Simpson, Enemigo Público de Tony Scott, y claramente algo de Matrix de Los Wachowski, y El Caballero Oscuro de Christopher Nolan y por supuesto y sobre todo, sus referentes contemporáneos: Manic Pixie Dream Girls de Pablo Maqueda y Todos Tus Secretos de Manuel Bartual… si hacéis esto, no os quedará duda de que Open Windows, no supone ningún paso hacia delante ni una ruptura con nada salvo con los nukes donde la han editado y desde luego, que las distancias con el cine de Hitchcock distan mucho de ser estrechas. Mirad si no, la magnífica La Vida.es 

Eso sin hablar necesariamente de Heavy Rain o Watch Dogs, por poner ejemplos ya a lo locatis.

—SUSPENSION OF DISBELIEF MODE OFF—

Al César lo que es del César, y a Vigalondo lo que es de Vigalondo, que por una parte es un tío que sabe de cine un güevo, como… venga un ejemplo que controlemos todos… como Tarantino y por otra es un morningsinger.

Ambos son hijos de la misma generación de consumidores compulsivos de cine, y ávidos lectores, unos intelectuales profundos, que conocen y comprenden el medio que usan, y obviamente, están llamados a ser los renovadores del cine actual. Lo cuál, si te paras a pensarlo un poco, y le das al botón de Captain Obvious, es de cajón pues cada generación hace su propio cine y del mismo modo que desdeña algunos de los postulados de las generaciones anteriores, coge otros y añade los suyos.

Responiendo a la pregunta que a todos nos lleva a leer una crítica, en Filmaffinity le he dado un 4. Esto es: a mi el sistema de montaje, me la trae al pairo, porque la historia que cuenta no dice nada que me interese del todo, y una vez asimilado el efecto, el efectismo, pierde toda su fuerza. En Open Windows, como que tarda mucho en arrancar la acción pese a que el incidente inductor ocurre básicamente al principio de la película. El giro de guión en plan sorpresa, es bastante deleznable, tramposo e innecesario. Para terminar la película como se sugiere en un primer momento, hay que echarle huevos. He de decir, que a nivel formal, el planteamiento visual, termina siendo tan hermético, que su aparente mirada poliédrica, no deja de mostrar caras del mismo objeto, pero que nunca permiten entender a los personajes. Quiere hacer un pequeña reflexión, mediante uno de los personajes, que  realiza una petición a cuento de una exposición a los media nunca planteada o desarrollada con suficiente autonomía como para que te importe una mierda. Eso sí, el primer tercio, pasa que ni te das cuenta, pero a partir de ahí… en picado. Y si eres montador o compositor VFX, debes ver la peli, porque los artificios y recursos, están hechos para tu deleite.

Los actores, están correctos tirando a mediocres. Sasha Grey, hace una interpretación sin alma ni gana, poniendo todo el rato esa cara que pones cuando alguien te dice – te voy a contar algo MUY gracioso – y no te hace gracia porque no lo pillas pero aún así, te esfuerzas por sonreir un poco;  y encima como podéis comparar las interpretaciones que hizo en The Girlfriend Experience o en Entourage con las de Open Windows, veréis que aquí claramente, lo hace como el culo. Además, ¿qué narices le ha pasado en la cara que parece una pelota de fútbol? Luego Elijah Wood, se ve que le está cogiendo el gustillo a esto de venir de vacaciones a España y echar sus ratos libres yendo a rodajes y sentarse delante de una cámara. Y de Neil Maskell ni hablemos. No se va a quitar la estampa psycho en la vida… Kill List, Utopia, Open Windows, etc.

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El futuro del cine en España. User T 38. La Productora. La service. La Agencia. La creatividad. El todo.

Respecto al montaje de Open Windows, estoy convencido de que hubiera sido una película perfecta para usar la visión estereoscópica y no sólo jugar con la multipantalla sino con la profundidad de campo para determinar separaciones y crear dos niveles de realidad. Por un lado, habría provocado una separación entre el mundo real y el mundo online; de este modo  hubiere posibilitado visualmente conceder solidez a ese efecto visual del final que parece proponer como tesis que vivimos inmersos en un vida fragmentada por nuestra proyección virtual solapándose con nuestra vida real, de la que ambas son extensiones una de la otra y viven contaminadas sin posibilidad de separación; y por otra habría permitido un mayor desarrollo del lenguaje audiovisual.

No me cabe duda de que Vigalondo, a este paso, terminará realizando una obra maestra. Lo tiene en su cabeza, es un tío que reflexiona sobre el cine y ensaya una y otra vez en sus películas las propuestas que tiene en mente, pero la falta ese algo.

Para decirlo claro y resumiendo, Open Windows, habría sido un buen capítulo de Black Mirror, de los mejores, pero como película, es un bluff.

P.S.: También sería probable, que leáis a algún iluminado diciendo que esto es como un giallo 2.0, pues bien, salvando las distancias, está infinitamente más cerca de un giallo, que de Hitchock. Por otra parte, algunos imbéciles, sostienen que tiene que ver también con Blow Up de Antonioni, y se quedan tan panchos. Ya puestos a decir sandeces, por qué no metemos aquí también Blow Out de Brian De Palma, que para algo se parece a Blow Up; además, venga, ¿nadie quiere mencionar Minority Report?, ¿y por qué no un poco de 1984? ¿Nadie se apunta a Phonebooth de Joel Schumacher? Oye, y El Resplandor también, que para eso ocurre en un hotel, y Aliens, y si queréis un poco de los Goonies o El Coche Fantástico, lo que bien os venga.

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Gente En Sitios.

En 2004 hice algo que jamás nunca he vuelto a hacer. En una sala del Multicine de Glories, arrojé una botella de agua contra la pantalla. La botella voló contra la cara de Santiago Segura y Javier Gutiérrez. Se estampó contra la lona y no pasó nada; ni siquiera ésta onduló dramáticamente. A nadie le importó. El gesto, sin repercusión, se vació de significado. La rabia de su vuelo no tuvo respuesta alguna.

Este fin de semana, me volví a encontrar con Santiago Segura y Javier Gutiérrez en una sala de cine. Al igual que hace 9 años, tenía una botella de agua en mi poder. Sin embargo, mis párpados pesaban más que mis ganas contra “Gente En Sitios”. En algún punto me dormí, y me volví a despertar.

Ilustrado Juan, espero muy sinceramente, que cuando estés sumido en la más profunda de las ruinas creativas y lidies con la página en blanco, todos los que ahora te pasan la mano por la espalda, te apoyen económicamente, o sea moralmente. Ya, ya sé. No sólo de pan vivirá el hombre. Que el alma también tiene que recibir sustento. Y estoy muy seguro que de hambre tu alma, no pasa mucha, porque estos ejercicios de onanismo, deben llenar más que un buen puchero. Y Juan, créeme, si lo digo con acritud, es porque me da rabia haber pagado 9 euros por “Gente En Sitios”. Lo que me duele, no son los 9 euros en si, total, los habría desperdiciado igualmente yendo a ver El Hobbit 2/3, lo que me duele, es no entender cómo es posible, que si tu no te tomas en serio tu trabajo, yo tenga que pagar por él. Y no me vengas con hostias que si el cine low cost se podría reconsiderar como una manera de vencer las resistencias de la depresión. Joder tío, me parece mucho morro. No tendría güevos, en serio. No tendría güevos de meter a Gente En Salas durante 83 minutos para esto. ¿Para qué están el Matadero y sitios así? Joder, es que ni aún regalándole copas y visionados en filmin. No way José. Quizás, hace 20 años, y sin la alternativa de gratis en youtube, hubiera sido demoledor ver Gente En Sitios. La catarsis del metalengüaje. La repanocha de la fractura narrativa. Transformers de Kiéslowski.

Estoy seguro, de que amas el cine. Estoy completamente convencido. Porque ya llevas mucho en esto. ¿No te duele llamar a “Gente En Sitios” película? ¿No te duele haberla estrenado en cines y cobrar por ella?.

A todo esto, ¿de qué va “Gente En Sitios”?. Gente En Sitios, va, literalmente, de gente en sitios. Sí. Es pura y llanamente eso. En general, cualquier película es literalmente gente en sitios. Pero esto es gente haciendo o sufriendo movidas en sitios durante 83 minutos, sin que los sitios importen o dejen de importar mucho. Imagínate ideas de Noguera hechas vídeo, pero sin fortuna. O adaptaciones de chistes malos sin gracia, o con ella. O grabar a tu colega divagando panfletariamente en un taxi (creo que es lo mejor de todo). O acompañar a un colega en el ave Madrid-Barcelona y hacer como que está planificado lo que vas grabando. Luego coger todo, y hacerte una compilación.  Y casi al final, tienes la suerte de ver a Ana Rujas en los mejores planos de la peli para levantar el conjunto y decir, hostia ahora está “homenajeando” Mullholland Drive, eso quiere decir que igual sí, que esto tiene algún propósito, y su causalidad, no es fruto de la más azarosa casualidad. Imagínate los mejores y los peores cortos del Notodo arrejuntaos sin ton ni son. Eso es precisamente “Gente En Sitios”.

Por cierto, que Gente De Malidad Calidad, no estaba nada mal.

*NOTA* Por lo general, no es mi intención denostar la labor de un equipo artístico o menospreciar hasta tal grado el conjunto de una obra, en este caso, me debo, por respeto a mi mismo como espectador y a otros posibles espectadores, soltar toda esta mierda. No pretendo ofender a nadie.

La Guerra Del Cine.

La fiesta del Cine 2013, vino, mostró y venció.

Entradas a 2,90 durante 3 días.  Chupinazo.

Se plantea un sedudo debate sobre si es algo puntual y anecdótico o si bien es algo que pudiera repetirse y reproducirse con idénticos o similares resultados, pivotando siempre sobre la idea de la “piratería” como el eje del mal del abandono de salas.

Entonces llegan Cinesa y Yelmo y hacen lo siguiente: Entradas a 3,50 durante 3 días.
Resultado: Cuatriplican espectadores, mejor semana de la historia mundial, lo que vienen a ser cerca de 300.000 entradas vendidas entre las 2 cadenas  en 3 días. Es decir, el fucking cisma.

O sea, Rafa Mora, proclamándose a si mismo cual Generalísimo: El Destroza Salas Me Llaman.

Entonces reabrimos el debate. La cuestión del debate pareciera que se desliga totalmente del “La piratería está matando al cine y ante eso, sólo cabe buscar nuevas ventanas de exhibición (las online, se entiende)” y se ha experimentado un realineamiento tal que el razonamiento actual fuera “Hostia puta, si ponemos las entradas a un precio asumible para el espectador, y aunque reducimos de techo a suelo el margen de beneficio destrozamos las salas “. Ole sus cojones, claro, si puedo comprar un Mercedes SLS 65 Amg por 30.000 euros en vez de por 165.000, pues póngame tres.

Francamente me hace mucha gracia la hipocresía de que nadie relacionara tan abiertamente la fuga de espectadores con el precio de las entradas, en vez de argumentar ad nausea  el “si puedo tenerlo gratis ¿para qué pagar por él?”, o “es que el español lleva la picaresca en las venas, es su idiosincrasia de pilluelo la que le empuja a todo lo que es gratis mola“.

Álvarez Cascos Mendrugo

“Ale, las migas me las guardo pa luego espurreármelas por el chaqué”

Ahora bien, el pueril comentario que se deriva del análisis de precio alto – fuga masiva tan sólo contempla a una de las partes, la del consumidor/espectador; evitando de lleno un concepto muy simple: la sostenibilidad.

El consumidor, en todos estos años no ha tenido que hacer nada más que lo mismo de siempre: aguantar el tirón de la subida del precio del servicio; o sea, asumir el encarecimiento de la vida.

En cambio, los exhibidores, han tenido que lidiar en dos batallas bien distintas; Por una parte, sufragar y asumir los costes y riesgo de invertir en los obligados avances tecnológicos como puedan ser proyectores digitales, de 3D, de 48fps, Dolby bien puesto, su poquito THX… etc. Por otra parte, han visto una ampliación del nicho de mercado local a internacional, pasando de ser ellos y el videoclub, a competir frontalmente con los nuevos chicos del barrio es decir satanás hecho ventana de exhibición o internet, o filmin, o the pirate bay, o el mantero (además del auge e implantación de los home cinemas). Y como siempre por detrás, las majors a lo suyo, o me compras la mierda en pack o no te vendo la merca buena, y te quedas sin el blockbuster único que los traerá a todos a las salas.

En esta guerra por llenar las salas, el aliado previsible de la SGAE  autoinmolado meses atrás en un sonado escándalo de corrupción y desfalco perpetrado por los chicos de Teddy Bautistagoetxea,  auspiciadores del impuesto revolucionario en forma de traba legal, no parece pintar ahora mucho en este cambio de paradigma en el debate. ¿Y la ley sinde? Pues eso, un sindios. El precio es lo único que importa. Aclarado y asumido esto, la calidad de las películas siempre oscilará entre vanguardia checa y Beverly Hills Chihuahua, como ha pasado de siempre, que el slapstick convivía con Griffith y Chinatown con Cheech y Chon. ¿Pero y el precio? ¿Debe pagarse lo mismo por unas películas que otras?.

Hace unos meses, Spielberg y Lucas, debatían sobre si debería pagarse lo mismo por ver una peli que cuesta producir 100 millones de euros protagonizada por Channing Tatum que por una low cost grabada con DSLR e iluminada con la luz de un flexo del ikea rebotada. Se desprende que no parece que el precio unificado pueda ser algo que se sostenga en el futuro, sobre todo si tenemos en cuenta el pleno al quince de hostiazos en taquilla que hemos vivido este verano y que previsiblemente viviremos con mayor frecuencia en el futuro.

Que no se trata de abrir brechas entre clases, ojo, pero del mismo modo que un Bugatti Veyron no cuesta lo mismo que un Seat Ibiza, quizás no debiera pagarse lo mismo por ver unas y otras cosas. En cualquier caso, aquí la cuestión es si es sostenible prolongar la bajada de precios y el supuesto pacto de precios a lo camorra que eso implicaría o bien seguir buscando fórmulas magistrales de exhibición en la que las salas puedan seguir abiertas.

¿Sería por ejemplo arriesgado plantear que a cada circuito lo que es de cada circuito de exhibición, pese a que Albert Serra, se muestre disconforme? ¿Las cosas cuestan lo que cuestan, o lo que cuesta pagarlas entre todos? ¿Cuál sería la proporción  de pago en una peli de Roland Emmerich en la que destruye el universo en comparación con Extraterrestre de Vigalondo?

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Albert Serra valorando un concept art de Stan Winston´s Studio para su próximo film: Jurassic Park IV -3D.

Quizás algún día podamos vivir el sistema unificado de precios en museos, y pagar los mismos 6 euros por visitar el Louvre que por entrar al Museo del Chocolate y maravillarnos extasiados con el Ronaldinho de chocolate a escala 1/2.

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Haeundae (Tidal Wave)

Haeundae que es una palabra probablemente Koreana, o no, yo qué sé, que da título a una peli de tsunamis que dura demasiado para lo poco que cuenta. El caso es que tiene éste diálogo que ilustra muy bien cierto comportamiento de cierto pavo que escribe aquí más o menos cada vez que le da un siroco.

Tidal Wave Quote

Lo podría decir mi madre, algún profe del instituto, o quizás de la uni, algún jefe o compañero de trabajo, incluso alguna novieta inastisfecha, pero en palabras de Miley Cyrus: “Only God Can Judge ME”

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Despedida De Solteras (Bachelorette).

Antes, que nada, en un ejercicio de honestidad, voy a revelaros que soy TOTAL FAN de la comedia romántica. Es un género que me puede; un género que con un mínimo de corrección en la propuesta, me tiene ganado. A mi ver a Justin Timberlake roneando como un loser a Mila Kunis, aunque en un principio debiera darme patadas de botas con punteras de acero en el estómago, y en cambio lo que hace es ponerme a bailar unas mariposillas moñas por las entrañas. ¿Por qué es mi género preferido? Pues vete a saber. Supongo que es por eso de que en el cine, muy a diferencia de la vida real o los sims, todo es posible, y casi siempre, tienes en boca de los personajes frases de esas que te lleven al después de después de compartir cama, haciendo que el desayuno no sea cuestión de necesitar salir por pies o estar acongojado por no recordar su nombre sin confundirlo con el de tu ex.

La cosa, es que le estuve dando muchas vueltas el otro día (ahora hace como 4 meses), tras ver Despedida De Solteras, una película dirigida en 2012 por  Leslies Headland; igual lo que siempre me ha fascinado del género, es cómo se las apaña para inmiscuirse en asuntos trágicos o espeluzantes de forma velada y socarrona sin necesidad de caer con los pies por delante en el drama, vete a saber.

Pero oye, a todo esto, ¿de qué va Despedida De Solteras? Pues mira, Despedida De Solteras va de que tu amiga la fea (y gorda) se casa antes que todas vosotras, guapas, resultonas, un poco putas y algo locas. Y que eso, os da un por culo tremendo y hace que os replantéis el asco que es vuestra vida y que echéis por tierra todo aquello que proyectasteis para vuestro maravilloso porvenir. Aún así, aún siendo la fea (y gorda) la que se casa, vosotras os ponéis en modo Dama De Honor Ninja y veláis por ofrecerle la mejor de las posibles Despedida de Soltera… augurando diversión, farlopa, y un resacoso amanecer sin las bragas puestas.

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Decid hola a Rebel Wilson.

 Pero nada más lejos de eso… Despedida De Solteras, camina sin prisa hacia ese momento en que las expectativas chocan con la vida real; es decir, que tu quieres, e imaginas que tu despedida de soltero va a ser como Resacón En Las Vegas, y lo más que terminas en el puticlú de tu pueblo sintiendo máxima vergüenza ajena al cruzarte con tu padre abrazándose a una mulata. Despedida De Solteras, es un poco eso, mucho cohete, poca pólvora, con sus dos o tres momentos epic win, y su poquito de reflexión final en plan, venga vamos a madurar que ya toca dejar la coca.

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Lizzie Caplan post coital es bien.

 Además de todo eso, de lo fácil, lo de la risa y tal, hay algo en Despedida De Solteras, inquietante y que me ha dejado poso, porque aquí se tratan o se abren los siguientes temas:

  1. – Aborto Juvenil.
  2. – Bulimina (y TOC).
  3. – Drogodependencia blanda en adultos jóvenes.
  4. – Depresión y suicidio.
  5. – El Perdón y la revisión de la historia intrapersonal (Superación del pasado).
  6. – Soledad.
  7. – Dignificación de la mujer como objeto sexual (¿?).
  8. – El amor (como fuente de solución, como fuente de problemas).

A bote pronto, podría ser el idioagrama de una película de Jaime Rosales o el temario de un seminario del Jodorowski, en vez de una peli con Kirsten Dunst, Lizzy Caplan, y un par de actrices más a los que no les pongo nombre y un notas que podía ser el de Smallvile o el novio de Lizzie Lemon.

No sé yo muy bien hasta qué punto Bachelorette, es consciente de lo ligero del enfoque de estos asuntos o si bien piensa que es una manera, aunque no frontal, al menos parcial, de ponerlos en órbita. Porque mira, si quieres hacer una peli sobre la amistad mal rollera y la soledad adulta, la incapacidad de conectar honesta y abiertamente con otros seres humanos, haces como Alberto Rodríguez y te cascas After, y si quieres hacer una peli mal ambiente sobre las despedidas de solter@, con su aderezo de comedia negra, haces Very Bad Things o algo así. Pero malrollismo blando con su moralina ambigua, intentando aportar algo de causa social con nociones de comedia teen es algo un poco de pararse a pensarlo dos veces;

No hace mucho leí una lista de 150 mierdas que peña taco lista, piensa que serán los grandes retos que joderán de una vez por todas a la humanidad. Entre víruses, colisiones de galaxias, la singularidad skynet y todo eso, había algo, que era motivo para reflexionar. La generación que está naciendo ahora, dentro de 20 años, tendrá serios problemas para distinguir la realidad de la ficción. Y parece que es de lo que peca la comedia yankee de siempre últimamente, de llevar tan al límite las situaciones en comedias costumbristas que la fina línea que las separa de comedia salvajes, se quiebra sin achacarlo, haciéndonos pasar por verosímiles las más extremas y disparatadas de las situaciones.

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Party Hard, biaaatchs.

 ¿Qué he aprendido con Despedida De Solteras? Que las mejores tetas de Kirsten Dunst ya pasaron y nunca saldrá tan bella y única como en Melancholia; que Lizzy Caplan está llamando a la puerta de ser una grande y parece que nadie le va a abrir; que la que hace de pelirroja podría tendría que haber sido interpretada por Lindsey Lohan Itself y que la fea (y gorda) en realidad es la más normal de todas y al final, aunque debiera ser la protagonista es la que menos te importa de todos, supongo que porque tiene la vida solucionada, mientras las otras aún aspiran a ofrecer el factor de cambio como anzuelo para pescar tu atención.

¿Si un slasher puede ser cómico?, ¿puede ser la comedia romántica una trágedia de lo cotidiano? En esta línea de argumentación, ¿Existe la posibilidad de un porno romántico? ¿Puede ser un fuckface expresión del amor más íntimo y de la confianza máxima entre dos seres humanos?

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Tarantino Unleashed Vs. Django Unchained.

Hace muchos años, Santiago Segura, o quizás Alex de la Iglesia, decía que tenía el cerebro dañado y que su cabeza era una batidora de mierda; haciendo clara alusión al hecho de tener un número tan vasto y variopinto de referentes que su cabeza los conectaba dando lugar a algo fresco y original, transmutando las formas, no en reforma sino en nuevas formas. Bien, hasta ahí más o menos claro.

Tarantino ha sido proclamado el rey del plagio homenaje. Razón no falta, es un fusilero de precisión. Lo que en otros sería, probable y legalmente, delito y motivo de las más mordientes y lacerantes críticas en Tarantino no es sólo motivo de alabanza sino que también es motivo suficiente para considerarle uno de los grandes. Imagino que sería lo mismo, que condecorar a Pitbull con honores suficientes como para compararlo con los grandes, vete a saber si con los Beattles, Nirvana, Daft Punk, Falla, Beethoven o Mozart. Decir que Pitbull y Beethoven son similares es algo más que excesivo y arriesgado pero, e independientemente del contexto, no menos arriesgado que suponer que Tarantino es un grande.

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Sólo un grande sería capaz de darle indicaciones tan precisas a una pistola.

Evidentemente, Django Unchained es una película 100% Tarantino. Un Tarantino sin control, sin escuchar a nadie excepto a su mandíbula. Con todo lo bueno y todo lo malo. Un Tarantino desatado. Casi toda la película, he tenido la sensación de que Django, era una broma, un chiste alargado y desarrollado sin mucha fortuna, un ir y venir de tópicos tarantinescos. La típica historia llena de ideas muy locas y graciosas en el papel, pero una puta mierda cuando te las plantan en escena durante 2 horas y 45 minutos. Vamos que si la peli es de otro, no es que acabe crucificada, es que acaba… en fin, ni directa a DVD.

Bien; sigamos.

¿Qué pasa cuando haces una peli que nadie se espera y luego intentas repetir la jugada sin el mínimo tino?

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Tarantino plagiando homenajeando a…

Pues lo que pasa es Django Unchained; Actores de primerísima fila, 100 millones de presupuesto, y unos diálogos nefastos y ridículos soltados por unos personajes tan poco construidos y desarrollados que cuando al final la película fuerza su climax no entiendes prácticamente ninguna de las reacciones de ellos.

Eso sí, sale Leonardo DiCaprio con los dientes sucios, Samuel L. Jackson haciendo de señor mayor que chochea, y Cristoph Waltz interpretando una versión descafeinada del Coronel Hans Landa, lo que hará que sean considerados semidioses de la interpretación, por motivos oscuros, misteriosos y sobre todo injustificados.

SchultzStephenCandie

And the Oscar goes to…

¿Qué pasa cuando puedes comparar la secuencia inicial de Inglourious Basterds con Django Unchained? Pues que esa mínima porción de Inglorious Basterds contiene más Western que todo Django Unchained.

Muy a mi pesar, he  planteado más de lo que se merece Django Unchained.

DjangoVsPowers

¿Homenaje? ¿Plagio? ¿Dolor?

Sergio Corbucci, Sergio Leone y Ennio Morricone,están llorando.

 

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Detention.

Detention es una peli de 2012 dirigida por el tío que hizo Torgue y que nadie ha visto.

Los mismos nadie que no la han visto, son los mismo nadie que tampoco pueden saber cómo sería una película de John Hughes rodada hoy. Parece que no hemos encontrado su relevo generacional y que por mucho que se empeñen, Judd Apatow no le llega a la suela; y ojo, que Judd Apatow no le llega no por otra cosa que ir por caminos distintos; si Hughes usaba a los adolescentes para proyectar temores e inquietudes de los cuarentones middle class, Apatow, usa a los cuarentones para hablar de ese fenómeno silencioso recién bautizado como Adulthood.

John Hugues apenas dirigió 8 películas, si bien es cierto que ha escrito innumerable número de truños que de sólo mencionarlos dan arcadas, hay 3 películas que marcaron una época y fueron testigos de un cambio generacional que se estaba produciendo en la sociedad norteamericana. Un retrato de esa frontera difusa entre el DIY al Consume Yourself (Mac Gyver Vs. Risky Bussines). Ésas películas no son otras que Sixteen Candles (Dieciséis Velas), Breakfast Club (El Club De Los Cinco), y Ferris Bueller´s Day Off (Todo En Un Día). De la cultura del esfuerzo a la generación X. Los jóvenes serán potenciales consumidores y pasarían, vía tocar los güevos a los padres, a ser los próximos en alinearse con la sociedad del consumo.

Con Ferris Bueller´s Day Off , John Hugues le decía buenos días a la generación MTV; les hablaba directamente en un lenguaje con el que podían identificarse, y que además, comprendían y sabían gestionar; eran capaces de aprehenderlo tomándolo como suyo propio. Lo cuál introducía una importante variable en el patrón de comunicación con el target juvenil. Si antes los mass media buscaban en los jóvenes sus referentes para contar las historias y luego venderles una idea de juventud (desarrollando productos que fueran apetecibles), ahora serían los jóvenes quienes desde el otro lado, buscarían en los media una vía que autorizase y validase la imagen a imitar. Si tienes 15 años en el 87 y ves “Todo En Un Día”, lo único que quieres hacer con tu vida es transmutarte en una especie de dios de la popularidad estudiantil y conquistar la idollhood. Ser un adulto para tus congéneres y un adolescente sobrehormonado para tus mayores. Esa idea emergente de lucidez y rebeldía, picaresca blanda muy lejos de un discurso maduro y sostenible y muy cerca de una vía contestaria con la que expresar el malestar de la vida de los suburbios.  

A eso súmale que podría ser una versión edulcorada del Clay de Less Than Zero y tienes un melocotonazo inaudito.

Así nacen, por ejemplo, personajes como Parker Lewis o Michael Seaver. Se acabó buscar en tu clase quién era el que molaba. Ahora quien molará será aquél que se parezca más a Parker Lewis. Jóvenes en búsqueda de una identidad pervertida por los intereses económicos de Nike.

A Apatow le pasa un poco lo mismo; apenas ha dirigido 5 películas, varios cortos mierdosos, y algunos capítulos de televisión. Sin embargo, Apatow hijo ideológico de Hughes, se convierte en el padre creativo del homenaje definitivo a los teenagers de los 80´s con su “Freeks & Geeks” (un día de estos habrá un post sobre esta serie); que con la suficiente perspectiva y distancia, ofrece una mirada cariñosa, melancólica y con tintes críticos a los 80´s desde el punto de vista de los marginados de clase.

Venga, que sí, que Karate Kid o Back To The Future construían y ofrecían tanto en Dani-San como en Mcfly dos personajes carismáticos dignos de ser imitados; sin embargo, resulta más fácil, sobre todo por asequible, llegar a identificarse con un notas como Bueller cuya meta en la vida es pasarlo bien y faltar a clase sin que se note mucho que sentirse realmente identificado con un tío que le unta de hostias al del Cobra Kai o de un pavo al que básicamente su mejor amigo le construye una máquina del tiempo con un Delorean.

Luego llegaron los 90´s, Beavis & Butt-Head, Smell Like Teen Spirit y Prozak Nation y la posición que ostentaban estas películas, fue desplazada a un limbo de vergüenza ajena; pero si las boy bands y el grunge hicieron madurar de un plumazo a la cultura teenpop, tarde o temprano tendría que producirse una película que trajera de nuevo a los jóvenes a las salas de cine. Muchas de las propuestas de Hughes terminaban siendo bastante naives si se comparaban con Kurt Cobain metiéndose una escopeta en la boca y haciendo click, con lo cuál era inevitable que se produjera no sólo un punto de desconexión sino un punto de inflexión.

Ésta cult movie, será  American Pie, que traerá consigo sus consiguientes subproductos derivados hasta toparnos con Superbad; pero estas películas, no son más que variaciones  y perversiones del género. En la era de Brazzers y 2 Girls & Cup, ya no parece demasiado transgresor mostrar adolescentes volviéndose locos por ver unas tetas, follándose a una tarta o compungidos a la espera de ser invitados a una fiesta.

Quizás la mejor manera de expresar a qué nivel funciona Detention es escuchando el  Love Missile F1-11 de Sigue Sigue Sputnik incluido en la ost de Ferris Bueller´s Day Off.

Detention es el alpha y el omega del cine teen;  Contiene todo lo bueno, y contiene todo lo malo conviviendo y colisionando en el mismo nivel. Si en Missile  F1-11 tienes a Beethoven versionado por Walter Carlos a su vez variado por Sigue Sigue Sputnik, una triple intervención de la forma, en Detention ocurre exactamente igual, estás viendo la reformulación de Scream de los que vieron que Scream y quisieron hacer Saw pasando por Hughes; sabiendo que a su vez y en si, Scream ya es la revisión de los slasher de los 70´s / 80´s.

Es imposible que Detention tenga sentido por si sola. Detention es una casa llena de tus muebles de cuando te fuiste a la universidad, de fotos de ex-novias, y fiestas de cumpleaños en las que bebías tang. Detention, es una celebración de la nostalgia en manos de adolescentes que nacidos en la era de internet, no comprenderán cómo Hanson fue lo puto más con Ummm-bop o porqué el iphone no tiene cobertura en 1992.

¿Es Detention una buena película? Por supuesto que no. ¿Son buenas las patatas fritas? Por supuesto que tampoco. Detention, no es un retrato generacional, no propone un reflejo de la sociedad, Detention es una memoria plasmada; Detention es la respuesta que darías con tus colegas a ¿cómo podría mejorarse un El Club De Los Cinco?

Y eso es lo que ofrece Detention literalmente, una odisea en el tiempo, rescate de momentos épicos, manos cogiendo manos al borde del precipicio, la nostalgia de haber crecido a la sombra de una supra realidad cinematográfica que convertía tu vida en una puta mierda aburrida y sin emociones e intentar rebelarse tan loca e inutilmente que termina careciendo de significado alguno más allá del homenaje.

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Policías Polis (End Of Watch).

Gracias al movimiento de cámara tardo un rato en entender qué está pasando en End Of Watch; la película avanza ya 5 minutos y aún sigo sin ser capaz de descifrar las imágenes que me son mostradas. No me meto, no entiendo la propuesta y tampoco parece que haya mucho que entender. Por tramos, parece un found footage aunque no lo es. A veces parece una peli pero no. En ocasiones parece un documental y tampoco. Quiere ser una suerte de Thelma & Louise con policías calorros de la era youtube. To Serve & Protect & Enjoy.

Llega un punto en que me pregunto si la ha dirigido Gaspar Noé aún a sabiendas de que la respuesta es negativa y que End Of Watch la dirige (un tal) David Ayer. La idea es que tiene un savoir-faire a cinema verité que no le ayuda mucho al principio y que después se muestra como la única forma posible de contar la historia.

End of watch es la buddy movie definitiva y lo es por méritos propios. La peli parece realmente grabada por 2 colegas que han pillado una handycam y se han estado grabando de patrulla por un barrio chungo de capital. Imagínate Callejeros pero rodado por Werner Herzog con pasta y sin límites y con algo de FX caros, incluida la presencia de  unos villanos muy villanos, que dada su simpleza, desafían a todo lo conocido sobre los tópicos y arquetipos.

Why they call you”Big Evil”?
…Because my evil is big.

A todo esto, ¿de qué va End Of Watch? Pues mira, es fácil, Zavala y Taylor son dos patrulleros que apatrullan la ciudad y que se encuentran con movidas chungas oscuras y muy relacionadas con el cártel de Sinaloa (creo que estos se han documentado viendo Breaking Bad más que otra cosa). Casi todo lo que les ocurre es de casualidad, no hay una intencionalidad en su devenir, van atendiendo llamadas y adscribiéndose a la trama pasivamente.

2 Cops 1 Car Reactions.

Los dos protagonistas, Mike Zavala (Michael Peña) y Bryan Taylor (Jack Gyllenhaal) son bastante idiotas, se comportan como idiotas, tienen diálogos idiotas, hacen cosas idiotas y…y…  y he tenido que buscar la palabra idiota en el diccionario para cerciorarme de que los protagonistas, son tontos, cortos de entendimiento y que (aparentemente) carecen de instrucción a tenor de cómo se comportan reaccionan y actúan.

Loca Academia De Cineastas.

Más de la mitad del tiempo no te interesa una mierda lo que les ocurre, no tienes claras sus motivaciones y ni siquiera si existe un conflicto real que haga que la trama avance. El punto de vista, pese a la intencionalidad intimista y veraz de éste, se lo saltan a la torera y ya al final, de repente, se marcan un flashback que no viene a cuento y no se justifica de ninguna manera, incluso en la parte de la boda hay por ahí un par de insertos que dices madre mía pero y a éste por qué le dan protagonismo… No se puede hablar estrictamente del trabajo de planos, encuadres o luz, pero sí de montaje y edición, cosa que bueno, lo dicho anteriormente, no hay un trabajo que resalte sobre el que hablar profundamente salvo el par decisiones de montaje que se toman tras el clímax.

No tengo tan claro que una película como End Of Watch pueda dirigirse en vez de planificarse; La movida es un poco, vamos que tu metes a dos notas en un coche a dar vueltas durante una semana y les vas diciendo ahora habladme, por ejemplo, del partido de anoche, y ahora habladme un poco sobre la paternidad, y ahora aprovechando que estamos de noche, vamos a hablar un poco de tomar café vs. tomar red bull… luego lo mezclas con unas cuantas escenas de tiros rodadas a lo Michael Mann pero sin idea, y aproximadamente te sale esto. Probablemente haya muchísimo de improvisación, y se deposite demasiado en la química entre Gyllenhaal y Peña o en las subtramas; las que de manera portentosa se funden en uno con la trama principal sin que lleguen a verse afectadas o comprometidas entre ellas (lo cuál da a pensar que esta falta de influencia implica un guión endeble o poco trabajado).

Aquí es cuando les ocurren movidas chungas y oscuras.

El caso es que a pesar de que esto puede considerarse perfectamente anticine y que es una clara víctima transmedia de su tiempo, End Of Watch tiene un noséqué que me ha atrapado. Es, sin posibilidad de duda, una peli de personajes; y de personajes bastante bien construidos y desarrollados; hacia el final ya lo sabes todo de ellos, lo que eran pinceladas y brochazos, al alejarse y ganar perspectiva dejan ver The Big Picture. El Gyllenhaal y el Peña parecen tan metidos e integrados con el papel y la propuesta que realmente transmite la sensación de 2 policías polis que sí que podríamos ser tu y yo, limitados, vulnerables, dubitativos, con problemas mundanos y sin demasiadas aspiraciones, simples pero sin pretensiones y en esto último, en la falta de pretensión es donde me funciona y me atrapa. En que son dos pavos que hacen la suya, a los que llegas a entender y a relativamente apreciar y por los que terminas sufriendo y padeciendo. Es una visión expresada con cierta ingenuidad e inocencia en su mirada que no debe hacernos olvidar que en el cine nada sucede por casualidad. 

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